Doris Krystof

MODIGLIANI… Ses modèles finissent par tous se ressembler, les nobles et les gueux, la gitane et le zouave, le paysan et le collectionneur : les cous allongés, les nez lancéolés, les visages efflanqués, les corps étirés, les yeux réduits à leur contour. L'exigence de la pureté, de la beauté antique, l'auto-restriction, la linéarité des formes aux pourtours légèrement arqués, l'abstraction, l'asymétrie, ces caractéristiques de Modigliani sont son image de marque et le rendent reconnaissable entre mille.

J'ai trouvé le livre de Doris Krystof, ayant pour un deuxième titre « La poésie du regard », il y a trois ans, dans une petite pile de livres abandonnés, sur mon chemin habituel au sport, et, curieusement, à l'emplacement d'un peuplier géant, alors récemment coupé à mon regret brûlant. Tout neuf, il avait la vocation de combler ma lacune. Jusque-là j'aimais Modigliani sans vocabulaire, sans le support raffiné des historiens de l'art.

Contente, j'ai feuilleté mon acquisition sur-le-champ, mais distraitement. Je ne me suis pas jetée sur l'étude de l'ouvrage, on ne sait pas pourquoi, sceptique sur la possibilité de distinguer l'artiste de l'homme, puis le vrai Modigliani de la figure romanesque, enfin Modigliani de Gérard Philipe dans « Montparnasse 19 ». Car il incarne par excellence la séduction, l'infortune, l'inclination à l'alcool et la drogue, les folles passions, jusqu'à la défenestration de son amoureuse à sa mort précoce, qui ont inspiré tant de cinéastes… D'innombrables anecdotes et légendes cachent sûrement une parcelle de vérité. Puis le temps est venu de lire l'analyse que nous offre le travail de Doris Krystof.

La peinture, selon un mythe antique, est un moyen de ressusciter le passé, de retrouver l'absent, procurer la consolation, elle est fruit de l'amour, mais en même temps, un tableau est « essentiellement une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées », d'après la célèbre définition de Maurice Denis (1870-1943). Chaque créateur possède sa façon d'harmoniser ces deux dimensions de l'oeuvre peinte, et l'expérience de Modigliani, à travers le portrait, se révèle hautement intéressante.

Ce livre est riche tout en étant assez fin du point de vue de la quantité de pages. Ses illustrations rutilantes sont très nombreuses. Il est parfait pour découvrir les étapes de l'oeuvre de Modigliani sans être destiné aux experts en la matière.

Il contient cinq chapitres aux intitulés parlants. Dans « Un germe fécond », l'auteure nous rappelle l'héritage de la peinture italienne, Sandro Botticelli, entre autres, qui a ébloui Amedeo l'enfant, et qui a continué à le motiver au long de sa création. Il a, au moins, deux surnoms, Dedo, lorsqu'il est très jeune, puisant auprès de sa mère, remarquablement cultivée, le goût des arts et, qui sait, peut-être, la force promotrice, puis Modi, comme une évocation du peintre maudit, disparu en plein essor artistique.



Dans « Les piliers de la tendresse » est développé le côté sculpteur de l'artiste peu après son arrivée à Paris, la « Ville des Lumières », en 1906. On apprend, par exemple, qu'il avait eu recours à l'éclairage aux bougies pour exposer son « ensemble décoratif » et non ses oeuvres isolées. Ces pierres dans une pénombre vacillante impressionnent comme une scène d'exorcisme.

Dans le 3ème chapitre, « C'était un aristocrate », est brossé le profil de l'artiste qui se démarque parmi les « -ismes » prédominants (fauvisme, cubisme, futurisme, orphisme, dadaïsme) en tant qu'un marginal. Il abandonne son temps pour un idéal iconique. Dans cette partie de l'ouvrage, on peut voir plusieurs portraits que Modigliani a réalisés de ses contemporains renommés, amis et collègues : Max Jacob, Pablo Picasso, Moïse Kisling, Chaïm Soutine, Jacques Lipchitz, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Beatrice Hastings.

Le 4ème chapitre, « le deuxième temple de la beauté », est dédié aux nus et leur nudité érotique frappante, tout à fait exempte de l'académisme.

Le dernier chapitre, « Un oui muet à la vie », expose la période passée dans le Midi de la France à partir de 1918 alors que les Allemands bombardent Paris. Ici son inspirateur est Cézanne. Modigliani restera pour nous un peintre qui lit, des poètes, Dante, Baudelaire, mais aussi le philosophe Henri Bergson dont il traduit en peinture l' « attente créatrice » et la vision optimiste de l'homme. Modigliani s'essaye également au paysage et peindra au moins 25 fois Jeanne Hébuterne, sa nouvelle compagne, la mère de son enfant et son éternelle fiancée.

Une belle monographie de Modigliani par Doris Krystof, lue pour préparer ma visite de l'exposition consacrée au peintre, à Villeneuve d'Ascq.

L'iconographie est magnifique avec de belles reproductions, l'analyse de sa démarche artistique est bien documentée pour permettre de mieux comprendre son œuvre. Modigliani recherche une représentation spirituelle de ses modèles et construira des archétypes, dénués de tout anecdotisme , privilégiant une esthétique reposant sur les lignes, l'absence de fond qui pourrait distraire le regard, des formes allongées qui s'inscrivent pleinement dans les représentations archaïques et dans l'art africain, avec toujours en ligne de mire une très grande connaissance de l'histoire de l'art. Un artiste marginal, cérébral qui a construit une esthétique très reconnaissable mais qui ne s'est toutefois jamais intégré dans l'un des nombreux mouvements artistiques des années 20.

Le livre présente la personnalité et de l'histoire de l'artiste, mi-biographie, mi-description des tableaux de son œuvre.

Evidemment, quand on pense à Modigliani, immédiatement on voit sa fin tragique, jeune, et celle tout autant tragique de son aimée Jeanne Hébuterne qui disparut également le lendemain de la mort du peintre.

Ce ouvrage de Taschen comprend 96 pages et environ 120 illustrations.

Le texte est de Doris Krystof, qui fût conservatrice de la Kunsthalle de Vienne avant de prendre la direction du K21 en Allemagne.

Elle articule son propos en 5 parties:

- un germe fécond

- les piliers de la tendresse

- c'était un aristocrate

- Le deuxième temple de la beauté

- un oui muet à la vie.

Ce choix permet de découvrir les débuts du peintre, son passage par la sculpture puis enfin son retour libéré vers la peinture.

Modigliani était un peintre de portraits. il avait ce don, cette volonté, de savoir appréhender puis restituer la psychologie du vis à vis et de bien délimiter très vite les traits caractéristiques du modèle, que du reste il reproduisait également avec un trait assez fort, amplifiant cet effet de compréhension psychologique du modèle.

Il y a donc dans ce livre beaucoup de portrait, beaucoup de nus également. Le texte est très intelligent sans être prétentieux et permet une excellente approche du peintre. Quelques anecdotes ici ou là; le domaines du privé, sont également présent ici ou là de telle sorte que le portrait du peintre est vraiment réussi.

Un très utile livre pour aborder Modigliani.

« Quand je connaîtrai ton âme, je peindrai tes yeux. » 🎨

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« Le bonheur est un ange au visage grave » écrivait Modigliani en 1913. Les visages graves, ça le connait… Pas besoin de vous le présenter : ses portraits sont reconnaissables entre tous. Un long cou de cygne, un corps étiré, une petite bouche, un nez fin, des yeux en amande et toujours le même regard… Dans chacun de ses tableaux, il reproduit les mêmes caractéristiques. Son style est unique, original et fortement inspiré de l’art primitif et du cubisme et son art est axé essentiellement sur une approche sculpturale - ce qui d’ailleurs n’est pas étonnant : Amédéo était initialement sculpteur avant de délaisser cet art pour les pinceaux. .

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Fervent artisan du mouvement expressionniste, Modi était un homme à deux visages. Sobre, il était le charme et le charisme faits homme, il récitait des extraits de Lautréamont ou Dante et séduisait toutes les femmes. Mais sous l’emprise de la drogue ou de l’alcool, il devenait violent et humiliant et les femmes qui ont compté dans sa vie en ont fait les frais. .

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Si j’aime autant l’Art de Modi, c’est pour la sensibilité, l’émotion et la fragilité qui se dégagent de ses oeuvres. Il est l’artiste de la mélancolie, le créateur de la beauté élégante, des portraits en vague à l’âme et des nus féminins à la couleur abricot. 🌙

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Son oeuvre n’a pas été réellement comprise par ses contemporains (le mythe de l’artiste maudit lui colle à la peau et on jugeait son art trop « facile » et pas suffisamment élaboré), mais son succès posthume n’est plus à prouver… Mort en 1920 à seulement 36 ans, il repose au Père Lachaise aux côtés de Jeanne Hebuterne, sa muse et mère de son enfant qui s’est suicidée par défenestration en apprenant la mort de l’homme de sa vie. .
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