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Citations de Henry Martin (36)


Le problème des origines de l'art byzantin est assez complexe ; il s'est posé pendant longtemps sous la forme suivante : Orient ou Rome ? En d'autres termes, est-ce l'art oriental ou l'art romain qui a engendré l'art byzantin ? Aujourd'hui, la réponse n'est pas douteuse : l'art byzantin doit tout ou presque tout à l'art oriental. Cependant l'apport de l'art classique n'est pas à dédaigner et durant toute l'histoire de l'art byzantin on assiste à un véritable dualisme de deux traditions opposées. Suivant le mot de Choisy, « l'art byzantin est l'esprit grec s'exerçant sur des éléments empruntés à l'Asie ».
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Ce qui caractérise plus particulièrement l'École de Fontainebleau, c'est la décoration lourde en haut relief, qui contraste avec l'ornementation légère en très bas relief et à petite échelle généralement adoptée à l'époque antérieure. La décoration de la chambre de la duchesse d'Étainpes, au palais de Fontainebleau, aujourd'hui partie supérieure du grand escalier, est l'œuvre de Francesco Primaticcio, dit le Primatice. On lui doit aussi la cheminée du salon François V, où s'entassent les chimères, les génies ailés aux attitudes contorsionnées, les peintures allégoriques. Toute cette décoration en ronde-bosse annonce le style Henri II.
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L'art byzantin se constitue aux IVe et Ve siècles en Syrie, en Egypte et en Asie Mineure ; aux Ve et VIe siècles, il est constitué et il vivra jusqu'au XVIe siècle avec quelques éclipses importantes. La première résulte de l'invasion musulmane au VIIe siècle ; ensuite c'est la querelle des iconoclastes aux VIIIe et IXe siècles.
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Le style Louis XV exprime admirablement le caractère de l'esprit français de cette époque : il est léger, vif, spirituel, séduisant, galant, un peu libertin, un peu désordonné, mais toujours avec une grâce qui désarme. Les influences qu'il a subies ont des origines assez différentes. A l'Italie, il emprunte l'esprit du style baroque. On sait quelle vogue ce style obtenait en Italie à la fin du XVIIe siècle. Le style baroque, nul ne l'ignore, est caractérisé par l'horreur de la ligne droite et de la symétrie. Or, on observe déjà, et d'une façon frappante, dans les détails de sculpture de l'église de la Madeleine (1686), à Rome, la liberté de composition du style Louis XV.
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Les édifices du style Louis XIII eu briques et pierres sont une conception essentiellement française : aucun emprunt n'y est l'ait à l'étranger, ni à l'art antique. L'une des rares exceptions à signaler est le château de Miromesnil, dans la Seine-Inférieure, qui nous offre l'exemple d'une façade avec un ordre colossal de pilastres. Le plus souvent, les murs de briques sont consolidés par des chaînes de pierres aux angles. Des chaînes de pierres encadrent aussi les fenêtres.
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Le style Henri II accuse une orientation très nette vers l'antiquité classique. Cette orientation est due en partie à la publication de certains ouvrages, tels que ceux de Vitruve, de Vignole, de Palladio, de Serlio. D'autre part, l'art antique avait trouvé d'ardents apôtres dans plusieurs artistes appartenant à l'École de Fontainebleau, comme Serlio et le Primatice. C'est au Primatice qu'on doit le château d'Ancy-le-Franc, le premier château classique construit en France. Enfin, nos peintres, sculpteurs et architectes français vont de plus en plus puiser leur inspiration en Italie.
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C'est au VIe siècle, avec l'introduction du bouddhisme par des prêtres venus de Corée, que commence la civilisation japonaise. Durant cinq siècles, les seuls centres d'enseignement, les seuls foyers d'art seront, comme en France durant le moyen âge, les monastères; mais il s'agit ici, on le comprend, des monastères bouddhiques.
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L'art musulman est peut-être le plus somptueux des arts. Peut-être serait-il aussi l'un des plus complets, si l'interdiction religieuse de représenter des êtres vivants n'en avait exclu presque complètement la peinture et la sculpture.
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C'est à Paris que le mouvement prend naissance et se développe. Grands seigneurs, financiers, fermiers généraux se font construire des hôtels qui rivalisent d'élégance. A cette époque de galanterie, chacun veut avoir sa « folie » : on appelait ainsi une petite maison de campagne qui bien souvent servait de lieu de rendez-vous galant.
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On a vu que, vers la fin du règne de Louis XIV, s'était déjà produite une réaction assez sensible contre le style classique : le salon de l'Oeil-de-boeuf (1701 ), au château de Versailles, en est un témoignage. Louis XIV lui-même s'était lassé de la magnificence de son palais et s'était fait construire le Grand Trianon. A la mort du roi , la Cour se disperse. Le jeune Louis XV se rend à Vincennes. Le régent Philippe d'Orléans n'a pas l'autorité nécessaire pour imposer un style. L'art n'est plus sous un contrôle rigoureux, et de cette liberté va naître un style nouveau.
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L'architecture civile. — La deuxième période représente le véritable style Louis XIV, caractérisé, en architecture, par une majesté grandiose, et, dans les intérieurs et le mobilier, par une grande richesse décorative.
C'est au cours de cette deuxième période qu'ont été élevés les édifices les plus importants : le château de Versailles, la colonnade du Louvre, la place Vendôme, le palais de l'Institut, les Invalides.
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Voulant avoir un style qui porte la marque de son règne, Louis XIV charge son ministre Colbert d'exercer un contrôle sur l'art français. Travailleur infatigable, merveilleux organisateur, Colbert crée les différentes Académies : Académie d'architecture, Académie française de Rome, Académie royale de peinture et de sculpture, qui ont le monopole de l'enseignement. Il s'adjoint le peintre Charles Le Brun, qui devient le dictateur de l'art français et préside à la plupart des grands travaux exécutés à cette époque.
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La Renaissance italienne est née, au début du XVe siècle, à Florence, sous le règne des Médicis. La Loggia dei Lanzi (1376), qu'on a souvent citée comme en étant la première manifestation, est en réalité un monument gothique. Il faut arriver à la date de 1420 pour rencontrer le premier édifice de l'art renaissant, avec la chapelle des Pazzi, terminée seulement en 1443.
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L'art grec est considéré comme l'expression la plus parfaite du beau, aussi bien au point de vue de la composition qu'au point de vue de l'expression.
La mesure, le calme, l'harmonie des masses, le fini du détail, la distinction de l'ensemble, sont quelques-unes des caractéristiques de l'art grec ; mais il y a lieu d'appeler plus spécialement l'attention sur deux qualités essentielles qui sont l'unité et la logique.
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Il est encore une autre question qui n'a pas été abordée par le commentateur des Quarante Fouquet. Dans sa belle publication, M. Gruyer a classé les miniatures suivant l'ordre chronologique des événements. Ce serait bien là, en effet, l'ordre naturel, si Ton devait considérer ces délicates peintures comme formant une collection de tableaux. Mais si l'on remarque qu'il s'agit certainement ici des illustrations d'un livre, il apparaîtra que l'ordre logique est celui qu'elles occupaient dans le volume.
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D'abord, les Quarante Fouquet sont-ils vraiment de Jean Fouquet? A cette question il ne me paraît pas possible, dans l'état actuel de nos connaissances, de faire une réponse absolument affirmative. Bien qu'il soit toujours pénible d'obscurcir d'un doute une séduisante légende, on doit avouer loyalement que jusqu'à présent aucune-preuve n'est-encore venue étayer cette hypothèse très vraisemblable. En réalité, nous ne pouvons de façon sûre attribuer à Jean Fouquet qu'une partie de l'illustration d'un très beau manuscrit en deux volumes de la Bibliothèque nationale, les Antiquités judaïques de Josephe On ne saurait là-dessus que partager l'avis
autorisé de mon savant ami le:comte Paul Durrieu, qui constate qu'aucun document ne vient appuyer cette opinion,: émise pour la première fois par Waagen, mais qui, d'ailleurs, s'empresse d'ajouter qu'il ne lui semble pas admissible de mettre sérieusement en doute l'attribution des Heures d'Étienne Chevalier à Jean Fouquet.
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Les Arabes n'avaient aucun art qui leur fût propre, aucun passé artistique ; et pourtant ils sont parvenus à former un style avec des éléments empruntés aux arts étrangers, notamment à l'art perse et à l'art byzantin. C'est là un exemple à peu près unique dans l'histoire de l'art.
L'art musulman n'est point un art spontané, mais le produit d'une fusion entre l'art oriental et l'art des pays conquis.
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On a donné à l'art musulman diverses appellations assez peu exactes.
Pendant longtemps, le nom le plus répandu fut celui d'art arabe. Or, L'art musulman n'est point l'art des Arabes, population nomade qui n'avait aucun passé artistique.
Le nom d'art mauresque n'est pas plus justifié. Les Maures sont les Berbères du Sahara, ou Almoravides, et les Berbères de l'Atlas, ou Almohades, dont l'activité artistique s'est étendue principalement sur le Maroc et sur une partie de l'Espagne.
Aussi limitative est l'appellation art sarrasin, terme vague, employé d'abord par les Grecs et par les Romains, puis par les Croisés, pour désigner les corps de cavalerie qu'ils avaient à combattre en Syrie et en Egypte.
Le nom d'art musulman semble donc être le seul admissible au double point de vue de la géographie historique et de l'histoire de l'art. Ce terme vient du mot arabe mouslim (celui qui se confie à Dieu), nom que Mahomet donna à ses premiers adeptes.
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Il n'est pas rare de voir, dans les villes , des Japonais en contemplation devant de minuscules jardins, installés sur un simple plateau ou dans une boîte profonde. Gardons -nous de taxer de puérilité ces manifestations d'une race douée d'une sensibilité exquise. Les deux qualités essentielles du génie artistique japonais sont l'appropriation du décor à la forme et la puissance d'évocation.
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Aucun peuple n'a aimé la nature d'une façon à la fois aussi ardente et aussi poétique. Le jour de la fête des cerisiers en fleurs, qui est une fête nationale, toute la population abandonne les villes pour aller aux champs admirer la nature dans son épanouissement printanier.
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