Thomas Köster

Avec ses portraits criants de réalisme et ses images de madones flamboyantes, le peintre hollandais Jan Van Eyck parvint à une maîtrise parfaite de la peinture à huile, une technique presque inconnue jusqu'alors, et fut ainsi pendant longtemps considéré comme son inventeur. Avec son frère Hubert, il créa le célèbre Retable de l'Autel de Gand.

Une technique de peinture à l'huile lumineuse :
Lorsque Van Eyck peignit La Vierge et son enfant, son pinceau fît avant tout ressortir sa pureté et sa beauté. Ses représentations de Marie vêtue des atours les plus somptueux, étaient accrochées, sérieuses et délicieuses, aux murs des églises gothiques, ou étaient exposées, éclairées par les seuls rayons du soleil, dans des pièces richement décorées. Personne avant lui n'avait su utiliser la couleur avec une telle maestria.
Auparavant, les artistes utilisaient essentiellement des couleurs ternes temperas qui ne parvenaient pas à capturer la légèreté d'un voile transparent ou le lustre velouté des tissus luxueux. Van Eyck utilisait quant à lui la peinture à l'huile, une technique encore nouvelle qu'il maîtrisait parfaitement. Cela lui permettait de créer des transitions et des dégradés subtils, d'apporter un éclat réaliste aux visages qu'il peignait, de conférer une impression de poids aux matières et de rendre les autres textures brillantes de transparence.

(peintre, Jan Van Eyck : vers 1390 - 1441)

Le Cubisme
Depuis la Renaissance, les artistes avaient essayé de créer l'illusion de la profondeur dans leurs toiles grâce à la perspective centrale. Picasso et Braque décidèrent de rompre avec cette technique. Ils accentuaient volontairement le côté bidimensionnel de leurs tableaux, et décomposaient simplement en cercles plats, triangles et carrés les visages, les instruments de musiques, les pichets et l'architecture. Le mouvement tira d'ailleurs son nom de certaines de ces formes, il devint donc le Cubisme. Paul Cézanne avait déjà eu une démarche similaire, mais ces jeunes artistes étaient plus radicaux encore. Le début de cette période est appelé Cubisme analytique. Plus tard le Cubisme synthétique, qui recomposait les formes géométrique, qui recomposait les formes géométriques sous forme de collage, fit son apparition. Parmi les autres artistes cubistes, on peut citer Robert Delaunay, Juan Gris, Fernand Léger et Marcel Duchamp.

Le peintre, sculpteur et architecte Giotto Di Bondone était un grand raconteur d'histoires. Il usait d'effets théâtraux et de personnages peints de manières réaliste pour illustrer des récits de la Bible. Il modernisa la technique de la fresque, une forme artistique pourtant connu depuis l'Antiquité, et impressionna les premiers artistes de la Renaissance italienne par sa convaincante représentation de la profondeur de l'espace.

La technique de la fresque selon Giotto.
Pour les fresques, la peinture est appliquée directement sur un mortier encore frais. Ce mortier est fait de chaux, de sable et de poussière de marbre. Cimabue avait l'habitude de demander à ses assistants d'enduire toute la zone qui pouvait être atteinte depuis l'échafaudage sur lequel il se tenait pour peindre. S'il ne finissait pas de peindre la totalité de la zone qui avait été préparée en une seule journée, il continuait le jour suivant sur le mortier sec, mais la peinture ne prenait pas aussi bien. Giotto, quant à lui, n'enduisait que ce qu'il savait pouvoir peindre en un jour. C'est pourquoi les fresques de Giotto ont survécu à ce jour dans un tel état de conservation.

Les fresques de Giotto acquirent bientôt une telle réputation par delà même les murs de Florence, que le peintre eut rapidement besoin de ses propres assistants afin de pouvoir répondre à la demande. Les riches marchands et les banquiers n'étaient pas les seuls à lui passer commande : le Pape lui-même et le Roi de Naples en faisaient tout autant. Giotto réalisa le plafond et les murs de l'église des moines Franciscains d'Assise.

Le riche et ambitieux Enrico Scrovegni fit venir Giotto à Padoue afin que celui-ci décore sa chapelle privée de quarante fresques magnifiques. Cette série aux couleur vives retrace la vie de Jésus, de Marie et d'autres saints, en la présentant comme une histoire en images, facile à suivre et à comprendre -- même pour ceux qui ne savaient pas lire. Les attitudes et les expressions montrent la colère, le deuil, la déception, mais aussi le bonheur et la foi dans le pouvoir souverain de Dieu. Les fresques de Scrovegni firent du petit berger Giotto l'artiste le plus important d'Europe à cette époque.

(peintre, Giotto Di Bondone : 1267-1337)

On trouve également beaucoup de meurtres et d'homicides dans les tableaux du Caravage. Il avait une prédilection pour les scènes bibliques dans lesquelles la tension était palpable. Pour rendre ses tableaux d'autant plus dramatiques, il éclairait violemment ses protagonistes et les plaçait sur un fond presque noir. Alors que les éléments importants semblent se trouver sous la lumière d'un spot, les détails plus insignifiants se perdent dans l'ombre.
La technique du clair-obscur devint bientôt si célèbre que de nombreux artistes copièrent les tableaux du Caravage. D'autres encore, comme le peintre hollandais Rembrandt, reprirent l'idée du clair-obscur et développèrent leur propre style. Ainsi, le brutal Caravage et ses peintures magnifiques avaient su orienter l'art dans une toute nouvelle direction.

Le Fauvisme
Henri Matisse, André Derain et Maurice de Vlaminck exposèrent leurs peintures à Paris en 1905. Certains visiteurs de l'exposition trouvèrent de bien mauvais goût leurs tableaux éclatants aux couleurs criardes et aux formes simplifiées. Un visiteur avait même dit d'eux qu'ils peignaient comme des animaux sauvages, comme des -fauves- Ainsi donc, il avait sans le vouloir donné son nom à ce nouveau style : le Fauvisme. Parmi les Fauvistes français, on compte également Georges Rouault ou Georges Braque, qui devait plus tard inventer le Cubisme avec Picasso.

Le foyer de Jan Vermeer était probablement plutôt bruyant. Il avait quinze enfants hurlants et remuants et se querellait fréquemment avec sa sévère belle-mère, qui vivait avec le reste de la famille dans leur spacieuse demeure. La seconde profession de Vermeer ne lui apportait pas non plus beaucoup de tranquillité. Il était tenancier d'une auberge (...).
A cette époque, peinture et boisson s'intégraient très bien au mode de vie des Pays-Bas.

Contrairement aux œuvres tumultueuses de ses collègues, les tableaux de genre méticuleusement échafaudés de Vermeer donnent une confortable impression de calme. (...) Le peintre aurait-il parfois souhaité secrètement que son auberge bruyante ressemblât davantage à ses peintures ?

Raphaël avait un don certain pour assimiler les techniques artistiques d'autres peintres. Il reprit l'idée des compositions de Léonard qui consistait à arranger les figures d'un tableau en triangle. Il avait appris à utiliser les couleurs avec délicatesse à la façon du Titien. Et lorsqu'il se rendit à Rome, on raconte qu'un ami lui avait ouvert la porte de la Chapelle Sixtine derrière laquelle Michel-Ange réalisait ses fresques en secret, afin que Raphaël puisse émerveiller les gens par ses figures -à la Michel-Ange- avant même que la Chapelle ne soit officiellement ouverte.
Raphaël surpassait la plupart de ses modèles par sa polyvalence, sa perfection et son raffinement.

Durant son voyage en France et en Italie, Bruegel avait vu des collines et des montagnes qu'il avait plus tard intégrées à ses toiles, les associant aux prairies et aux pâturages de son plat pays afin de créer des paysages imaginaires qui n'appartenaient qu'à lui, et qui fourmillaient de personnages. Pour cette raison, il apparaissait à Carvel Van Mander que, durant ses voyages, Bruegel -avait avalé toutes les montagnes et les rochers et les avait recrachés sur la toile, aussi naturellement qu'il l'avait pu-

L'impressionnisme
Les Impressionnistes aimaient la lumière. Lorsqu'il faisait beau, ils sortaient pour y capturer -au grand air, dans les squares, aux courses ou dans les parcs- les nuances de la lumière du soleil au travers des feuilles, la brume sur la Seine ou la vapeur d'une locomotive. Ils voulaient capturer l'impression fugace de la lumière à certaines heures du jour. Ils appliquaient la peinture à même la toile, avec des coups de pinceau rapides, sans définir de contours. Lorsqu'on s'approche pour les regarder, ces tableaux semblent n'être que points et lignes. Ce n'est qu'à une certaine distance qu'une image fantastique émerge de ces formes.
L'Impressionnisme s'étala sur une période allant de 1860 à 1880. Parmi les protagonistes de ce mouvement, on trouvait Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley et Edouard Manet, Max Liebermann, Max Slevogt et Lovis Corinth. Le nom même du mouvement était tiré du titre de l'une des oeuvres les plus marquantes de Monet, -Impression soleil levant- dans laquelle l'artiste avait su capturer la brume du matin sur le port du Havre.

La période baroque
Les couleurs brutales, les formes asymétriques et le manque d'émotion du Maniérisme n'avaient plus les faveurs de bien des peintres de la fin du XVIe siècle. Ils désiraient revenir à des formes plus claires et plus simples et appréciaient également les effets théâtraux et les mouvements dynamiques. Caravage et Annibale Carracci avaient été les pionniers de cette nouvelle approche de la peinture. L'artiste flamand Pierre Paul Rubens était un grand admirateur de ces deux peintres, et après ses voyages en Italie, il était devenu le plus célèbre peintre baroque du Nord des Alpes, jusqu'à ce que le peintre hollandais Rembrandt ne vienne lui faire de l'ombre. La peinture anglaise baroque a été largement influencée par Rubens et son élève Anthony Van Dyck. On pense que le mot -baroque- vient du portugais -barucca- qui veut dire -perle à la forme irrégulière-
Ce style artistique se poursuit jusqu'au milieu du XVIIIe siècle, bien que sa phase finale, avec ses formes particulièrement ludiques et complexes, se soit appelée période rococo.