Andromède : tragédie (Ed.1651)

Cette pièce est une commande, faite par Mazarin. Ce dernier a fait représenter en 1647, dans une salle du Palais Cardinal (l'actuel Palais royal) un opéra italien, l'Orfeo de Rossi. Ces représentations ont provoquées des critiques, en particulier sur le coûts de ces spectacles. Mazarin pense qu'un spectacle français, qui réutilise les décors et la machinerie, sophistiquée conçue par Torelli, un Italien qui vient à cette occasion en France, serait mieux accueilli. Corneille reçoit donc une somme d'argent pour écrire un texte dès 1647. Mais la mise sur la scène du spectacle n'est pas simple : la saison théâtrale 1648-1649 est quasiment supprimée par la Fronde. Après une accalmie en 1649, Corneille prend un privilège en octobre pour publier le Dessein de la tragédie d'Andromède, qui est une sorte de canevas détaillé, permettant aux futurs spectateurs de suivre le spectacle. La pièce est finalement donnée en février 1650, après l'arrestation des Princes.

La pièce appartient à ce qu'on appelé « la comédie à musique » ou « tragédie à machines ». Il y a une musique, composée par Charles Coypeau dit D'Assoucy (elle est en grande partie perdue), mais elle n'a pas la même importance que dans un opéra à proprement parlé. Corneille précise qu'il n'a employée la musique « qu'à satisfaire les oreilles, tandis que les yeux sont arrestés à voir descendre ou remonter les machines, ou s'attachent à quelque chose qui les empêche de prêter attention à ce que pourroient dire les acteurs, et qu'il s'est bien gardé de rien faire chanter qui fût nécessaire à l'intelligence de la pièce ». le texte est donc plus important pour lui, et la musique un ornement présent à certains moments spectaculaires.

La place des décors et machines est en revanche plus centrale. Corneille écrit : « Les machines ne sont pas, dans cette tragédie, comme les agréments détachés : elles en font le neoud et le dénouement, et y sont si nécessaires que vous n'en sauriez retrancher aucune que vous ne fassiez tomber tout l'édifice. ».

Cela nécessite quelques précision sur le décor du théâtre classique. Au début du XVIIe siècle, les spectacles ont hérité le principe du théâtre à mansions ou compartiments du théâtre du moyen-âge. Il y avait plusieurs compartiments, en général un par acte, qui figurait les différents lieux de l'intrigue. Les comédiens se déplaçaient au fur et à mesure du déroulé de l'histoire, les compartiments inutilisé étant masqués par des rideaux. Les tragi-comédies, et les premières tragédies et comédies du XVIIe siècle utilisent ce type de décors. A partir de la réforme du théâtre, et en particulier du moment où l'unité de lieu s'est imposé, il n'y avait plus qu'un seul décor, pour la tragédie il s'agissait de ce les décorateurs de l'époque appelaient « le palais à volonté », une salle du palais dans laquelle toute l'action pouvait prendre place. L'arrivée de Torelli marque une autre étape, le changement de décor à vue. Différents décors habillent la pièce, grâce aux machineries inventées par les Italiens, ils changent devant les yeux éblouis des spectateurs. Torelli, le premier et le plus célèbre de ces Italiens venus en France a été d'ailleurs surnommé « Le grand sorcier » ou « Le magicien de Fano ». Ces machineries ont été une grande attraction du théâtre de l'époque, et ont donné lieu à toute une production à succès, dans l'opéra (que ses promoteurs présentaient comme le spectacle le plus fidèle au théâtre antique, dans lequel la musique était présente), mais aussi dans des pièces de théâtre, parfois mixtes, dans lesquelles la musique pouvait avoir aussi une place, même si était secondaire. Andromède est peut être la pièce de ce genre qui a connue la plus grande célébrité à l'époque.

La trame d'Andromède provient d'un récit mythologique célèbre : Cassiope, le reine d'Ethiopie est tellement fière de la beauté de sa fille, qu'elle défie les dieux. Qui se vengent en faisant venir un monstre marin. Une jeune fille doit lui être livrée, après un tirage au sort. Après plusieurs jeunes filles, c'est le tour d'Andromède d'être désignée. Son fiancé, Phinée, se désespère sans beaucoup d'efficacité. Mais Persée, présent dans la cour d'Ethiopie, agit et tue le monstre venu dévorer Andromède. le roi veut la lui donner en mariage. Phinée tente de tuer le héros avec une troupe armée, mais il est défait et tué. le mariage peut avoir lieu, les dieux viennent chercher tout ce beau monde pour le célébrer dans les cieux.

Le noeud de la pièce n'est pas la victoire de Persée sur le monstre, mais sa lutte avec Phinée pour la main d'Andromède, la venue du monstre servant presque le héros dans la conquête de sa belle.

Cette pièce n'est plus vraiment jouée depuis le XVIIe siècle, où elle a connue un immense succès, l'essentiel de l'intérêt ayant été le spectacle fastueux pour les yeux. Elle est surtout une curiosité, une oeuvre de commande, même si on reconnaît la patte de Corneille dans les vers. Elle illustre parfaitement un pan de la production dramatique de l'époque, qui a sans doute plus vieilli que d'autres pièces.

Corneille l'écrit lui-même dans la Préface : il n'a pas fait attention à écrire de beaux vers, mais à faire une belle pièce sur scène, belle à regarder grâce aux machines permettant de faire venir des dieux volant sur leur char ou de faire apparaître des monstres.
Sauf que, à la lecture, et au XXIème siècle, c'en est presque ridicule - désolée de dire ça de Corneille. le Prologue en tout cas est un modèle de courtisanerie, les dieux eux-mêmes chantent la gloire de Louis XIV, et pas n'importe quels dieux, celui du soleil et la muse de la Tragédie.
Quant aux personnages, Persée est surtout un deus ex machina, Andromède est assez insignifiante, ravie de changer d'amant quand le nouveau est présenté comme le fils d'un dieu. A rebours de l'intention de Corneille, c'est Phinée que j'ai préféré, simple amant qui était aimé, et qui assume de ne pas un être héros, lui qui n'est qu'un homme et non un demi-dieu : il est plus facile d'être héroïque quand on n'est pas entièrement humain...
Finalement, c'est la préface que j'ai préférée, quand Corneille justifie ses choix : de ne pas montrer une mère de quarante ans vanter sa beauté puisqu'elle n'est plus sensée en avoir, de ne pas montrer une Andromède nue attachée à son rocher, de faire des deux fiancés des cousins car cela passe mieux auprès du public que l'oncle et la nièce, et surtout, d'affirmer avoir voulu plaire au public. Oui, il l'assume, il l'a sûrement fait au XVIIème siècle, la pièce le ferait sans doute moins aujourd'hui.

Dix septième siècle de secrets d'alcôves et d'intrigues, mythes et divinités se jouent et se déclament aux planches parisiennes.

De Vénus à Persée, les Néréides se font vengeresses tandis que le ciel se fait hôte pour ces divinités en devenir.

Intrigues et cabales se suivent et se heurtent aux rimes des tirades.

A découvrir ou redécouvrir.