Catherine Francblin

« Le communisme et le capitalisme ont échoué. Je pense que le temps est venu d’une nouvelle société matriarcale. Vous croyez que les gens continueraient à mourir de faim si les femmes s’en mêlaient ? Ces femmes qui mettent au monde, ont cette fonction de donner la vie – je ne peux pas m’empêcher de penser qu’elles pourraient faire un monde dans lequel je serais heureuse de vivre. »
(Interview The Houston Post - 25 mars 1969)

Niki va très vite sculpter des Nanas noires qui expriment sa solidarité avec les opprimés. « Une femme dans la civilisation des hommes, tonne-t-elle, c’est comme un nègre dans la civilisation des blancs ».

Les résultats astronomiques des ventes d'oeuvres d'art aux enchères heurtent régulièrement le sensibilité du grand public. Mais ces sommes ahurissantes ne doivent pas masquer les réalités économiques : la grande majorité des artistes vivent très mal de leur art. Néanmoins, lorsque "les dieux" lui sont favorables, un artiste travaille généralement avec une ou plusieurs galeries (une en France, les autres à l'étranger) qui lui organisent en moyenne une exposition par an ou tous les deux ans. Le galeriste travaille au corps les collectionneurs privés, mais il s'adresse également aux institutions (musées, Frac, Fnac...), plus susceptibles d'acheter des oeuvres de grandes dimensions.

Qu'est-ce que l'art contemporain? Comment le définir? Quelles sont ses caractéristiques? Ces trois questions simples nécessiteraient, à elles seules, nombre d'ouvrages, de colloques et d'articles sans pour autant déboucher sur l'esquisse d'une réponse sur laquelle tous pourraient s'accorder. D'ailleurs, les définitions mêmes de l'art contemporain varient d'un auteur à l'autre. Habituellement, l'art contemporain débute dans les années 1960, parfois au début des années 1950, et fait suite à l'art moderne qui trouve sa source dans l'oeuvre de Manet et des impressionnistes. Mais l'art contemporain ne peut véritablement se définir. Il emprunte des voies et des cheminements réfractaires à toute analyse définitive - et celle-ci est-elle bien nécessaire? L'art n'est-il pas, malgré toutes les tentatives d'explication, ce scandale d'une liberté inconditionnelle puisqu'étrangère aux nécessités de la chose publique avec ses lois et ses valeurs?

Depuis une trentaine d'années, les collectifs d'artistes se sont multipliés, certainement pour plusieurs raisons. D'abord, parce que dans la jungle de l'art, on a plus de chances de se faire remarquer quand on est plusieurs. Ensuite, parce que les techniques artistiques se sont diversifiées et demandent de maîtriser des savoirs différents, si bien que la mise en commun de compétences est apparue comme une solution pour surpasser les problèmes techniques.

Dans l'imaginaire collectif, le critique d'art est celui qui, par de brefs articles, donne son avis personnel sur des expositions, et ainsi se démarque de l'objectivité journalistique. Cela est plus ou moins vrai, et il serait sans doute difficile aujourd'hui de faire la différence entre le journalisme artistique et une critique d'art que Baudelaire voulait nécessairement "partiale et passionnée".

(...) Les sculptures félines d'Alain Séchas invitent (elles aussi) à l'attendrissement. Leur mine innocente n'en rend que plus saisissant le réquisitoire que dresse l'artiste contre la violence de son temps, qu'elle exerce au sein de la famille, à l'école ou menace notre environnement.

L'apparition du land art et son retour à une mystique de la nature doivent être compris comme une ultime tentative pour élargir notre champ perspectif tout en détruisant définitivement l'ancienne hiérarchie des beaux-arts héritée du XIXe siècle.

L'idée d'unicité de l'oeuvre d'art fut longtemps un gage de valeur esthétique et donc de valeur marchande. Pourtant, dès l'invention de la gravure puis de la fonte des bronzes, il fut évident qu'une oeuvre pouvait également être multiple, c'est-à-dire éditée à plusieurs exemplaires normalement identiques les uns aux autres. L'histoire de l'art au XXe siècle n'a cessé de décliner les différents registres d'oeuvres à plusieurs exemplaires : lithographie, ouvrage luxueux agrémenté d'illustrations.

L'une des spécificités de l'art contemporain est d'avoir mis fin à une triple illusion : l'illusion d'éternité des oeuvres, l'illusion de leur ubiquité, l'illusion de leur évidence.

Si l'art a bien à voir avec la mort, il traite toujours plus ou moins du temps, c'est-à-dire de l'impalpable, de l'éphémère, de la disparition. Jamais comme au XXe siècle les artistes n'avaient à ce point cherché à représenter directement, souvent à l'aide des matériaux eux-mêmes, la fragilité des choses.

Auparavant, le dessin avait une destination préparatoire, il était considéré comme un outil de travail, une ébauche de l'oeuvre à venir. Aujourd'hui, si le marché de l'art continue d'attribuer aux oeuvres sur papier des prix inférieurs à ceux des oeuvres peintes, en revanche, cela fait longtemps, fin de l'ancienne hiérarchie des beaux-arts aidant, que le dessin n'est plus considéré comme une oeuvre mineure.

Déjà dans un article des "Cahiers du Cinéma" daté de 1986, Gilles Deleuze avait averti : "Il y a beaucoup de forces aujourd'hui qui se proposent de nier toute distinction entre le commercial et l'art. Plus on nie cette distinction, plus on pense être drôle, compréhensif et averti. En fait on traduit seulement une exigence du capitalisme, la rotation rapide. [...] Ce qui complique tout en apparence, c'est que la même forme sert au créatif et au commercial." Là réside en effet l'une des principales difficultés de notre temps : faire le tri entre un art contemporain "authentique", qui ne cesse de nous interroger, et des oeuvres ayant pour seul intérêt d'illustrer la vacuité de notre monde. C'est ce que tente ce modeste petit livre.

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le style Fournier c'est aussi une sensibilité et un parti pris exclusifs à l'égard d'une famille d'artistes inscrits dans une histoire, un territoire, un corpus de références issues de Matisse et des figures majeures de l'abstraction américaine s'élançant sur les chemins que personne toutefois, n'avaient empruntés.

un bon galeriste selon lui ne s'adresse pas à des collectionneurs touche à tout, impatients de s'enrichir, mais à des collectionneurs exigeants, engagés dans la durée, et qui, lorsqu'ils ont compris l'importance d'une démarche, lui prêtent une attention soutenue, pouvant les mener à considérer d'autres aspects du travail.

Faire connaître et comprendre, expliquer, instruire, braver l'ignorance, descendre l'art contemporain de ses hauteurs élitistes, aider, partager, protéger, soulager, telles sont les principales missions que Fournier s'est assignées.

la peinture semble bien pour lui le dernier refuge du sacré et les toiles des peintres qu'il révère autant d'incarnations de cette sacralité.

ainsi découvrons nous la nature du différent entre le conservateur et le marchand. le premier a souhaité insérer dans un catalogue un "témoignage" du second, lequel a refusé l'exercice par "humilité", mais une humilité sur laquelle son interlocuteur s'interroge.

Si l'installation est un genre apparu au XXe siècle, il est difficile toutefois d'en préciser la date de naissance. Elle semble liée à l'histoire de la performance - les premières, celles d'Allan Kaprow, ont lieu dès les années 1950 - aux dispositifs théâtraux dans lesquels se déroulent les actions.

Il y a encore peu de temps, les catalogues d'expositions se distinguaient par leur austérité scientifique, et les illustrations se limitaient à de petites vignettes en noir et blanc. Depuis les années 1980, on a pris en compte cet état de fait : le catalogue est souvent le premier contact avec l'oeuvre d'un artiste, c'est pourquoi il doit être attractif en comportant des reproductions couleur de qualité. De plus, il est la plupart du temps la seule trace qui subsiste après l'événement de l'exposition, si bien que parfois un artiste l'impose comme une condition pour accepter d'exposer. Car le catalogue est avant tout un outil de travail. C'est cela que l'artiste envoie à des galeries ou à des critiques d'art susceptibles d'être intéressés par sa démarche.