Lichtenstein

Tout mon art est d'une certaine manière sur un autre art, même si cet art est la bande dessinée. (Roy Lichtenstein)

"Tableau mural avec coup de brosse bleu" est certes un travail monumental effectué sur commande publique mais Lichtenstein nourrit indubitablement des doutes quand à l'immortalité de l'art. Une gigantesque cascade bleu-en fait un coup de brosse à la Lichtenstein mais sans sa texture- se déverse d'un coin du tableau comme si elle voulait encore accentuer l'effet d'effacement. Cette attitude est extrêmement révélatrice. Grace au "Tableau Mural" Lichtenstein avait la possibilité d'atteindre quotidiennement des centaines de citoyens New Yorkais ,toutefois, il a renoncé à leur apprendre quoi que ce fût. Au lieu de cela,il leur a offert un panorama hédoniste de l'insignifiance terrestre.

Certes, le miroir bleu présente un autre niveau de signification,il montre notamment comment un thème sérieux de l'art-la toile monochrome en tant que forme de l'abstraction-sent le sol se dérober sous ses pieds et doit être remis sous ses pieds et doit être ainsi remis en question. Lorsque le suprématiste Malevitsch peignit son Carré Noir sur Fond Blanc en 1913,son intention était de créer une peinture pure,libérée de tout objet pictural reconnaissable. D'une certaine manière, Lichtenstein fait exactement la même chose, mais c'est justement par leur absence que les objets et les personnages manquants se font d'autant plus remarquer.

Au cours d'une interview accordée à Gene Swenson en 1963, Lichtenstein critiqua l'attitude de l'art par rapport à lui même : "je trouve que depuis Cézanne,l'art est devenu extrêmement romantique et irréaliste, il ne se nourrit plus que de lui même, est utopique. Il a de moins en moins de rapport avec le monde ,pratique le nombrilisme,le neo zen et autres. Ce n'est pas une critique mais plutôt une constatation lucide. Dehors, il y a le monde,il existe. Le pop art se tourne vers le monde extérieur, d'une certaine manière, il accepte son environnement qui n'est ni bon ni mauvais mais différent- Une autre attitude spirituelle."

Plus encore que les contours noirs des personnages et le choix limité des couleurs industrielles, la trame pointillée semblait déplacée dans un tableau. De façon isolée, quelques éléments de bande dessinées étaient bien apparus depuis longtemps dans des œuvres des Beaux-Arts, mais toujours au plus dans le cadre d'un collage. ou bien en tant que motif de peinture. Lichtenstein alla en revanche, jusqu'à évoquer des procédés techniques d'imprimerie par les points de trame et ainsi se réclamer explicitement du modèle imprimé. Les critiques et artistes commerciaux qui lui reprochaient de ne pas assez prendre de distance par rapport à la source de ses tableaux ne voyaient manifestement pas que non seulement le contenu de la représentation mais aussi l'élément de style étaient importants.

L'oeuvre de Litchtenstein-et ceci est également valable pour le pop art américain en général-a souvent été interprété à tort comme étant socio-critique. Il est vrai cependant que les artistes pop appréciaient les choses laides ou de mauvais goût justement parce qu'elles faisaient partie du bien public démocratique. Litchtenstein: "Comment peut on aimer l'exploitation ? Comment peut on aimer la mécanisation totale du travail ? Comment peut on aimer le mauvais art ? Je peux seulement répondre que j'accepte ces choses parce qu'elles sont bel et bien au monde ". Litchtenstein n'a pas la prétention de rendre un jugement moral sur le monde par le biais de son art, même si il possédait son propre avis. Il en vint à la conclusion que la haute culture ne possédait aucun monopole sur la qualité artistique et il relanca la question de savoir ce qui,en fait,devait être considéré comme de l'art.

Pourtant, d'un autre côté, la peinture non académique et si nettement américaine de Marsh, qui puisait son inspiration dans des sujets quotidiens et régionaux, est directement en rapport avec la prédiction du pop art pour les choses banales et courantes. La différence fondamentale entre ces deux styles résidait dans l'attitude que les futurs artistes pop adopteront pour aborder leur motifs du quotidien :chez eux,Georges Washington et tout ce qu'il représentait d'americanisme devait être déformé par l'ironie.

Devant les "Ateliers", on prend conscience du fait qu'il était devenu de plus en plus important pour l'artiste de recouvrir de sa peinture la totalité de la surface de la toile. Alors que ses anciennes compositions ressemblaient encore très fortement à leur modèle, Lichtenstein devint au cours des années soixante-dix et quatre-vingt beaucoup plus indépendant sur le plan formel. Ses compositions furent alors complétement le fruit de sa propre œuvre ,mème quand il se servit de composantes empruntées.

Quand il transforme les oeuvres d'autres artistes, Lichtenstein se plie à une tradition de l'histoire de l'art qui a fait ses preuves. Le fait qu'au cours de ces emprunts, l'ancien artiste n'ait pas toujours été totalement respecté, on peut le voir dans l'utilisation que Picasso a faite de Velazquez. Lichtenstein est conscient de l'ironie qui peut imprégner un tel processsus comme par exemple dans sa Femme d'Alger de 1963: "Picasso réalisa la Femme d'Alger d'après une toile de Delacroix et moi,j'ai peint mon tableau d'après le sien". Certes la version de Picasso a été de nouveau radicalement transformée, et la transformation de Litchtenstein possède autant de ressemblances avec l'original qu'un dessus de table en formica avec une table de chêne. L'adaptation de chefs d'oeuvres étrangers souleve toute une série de questions et peut encourager l'observateur à réfléchir sur des termes tel que valeur,apparence, reconnaissance,style et originalité.

L'histoire de Ben Day explique aussi pourquoi de nombreux historiens d'art et critiques durent inévitablement penser à George Seurat à la vue des tableaux de Lichtenstein. D'un point de vue visuel, il existe manifestement un lien entre le "pointillisme" de Seurat et les trames de points de Lichtenstein, que certains commentateurs ont interprété comme une allusion ironique au style de Seurat. Ceci ne correspond certainement pas à la réalité. Les points de Seurat et de Lichtenstein proviennent bien davantage de diverses branches de la mème et unique famille de points, qui ne se sont jamais rencontrés. Ce qu'elles ont en commun, c'est de traiter des sujets figuratifs de façon abstraite. Lichtenstein au cours d'une discussion avec Bruce Glazer en 1966 : "quand je me suis mis à travailler un tableau, il devient une abstraction pour moi. La moitié du temps ou je peins ,il est de toute façon, la tête en bas.".