Dieter Buchhart

La musique est également le thème de Morgen und Abend (Matin et soir), nouvelle version de Le Pouvoir de la musique, une œuvre elle-même remaniée à plusieurs reprises. Ce procédé met en évidence la démarche de Kokoschka, qui multiplie les phases de destruction, révision et remaniement, de sorte que la texture à la surface de ses tableaux en vient à former un magma coloré parfois extrêmement épais. Il superpose ainsi couche sur couche pendant une dizaine d’années à compter de 1966 pour Matin et soir et pendant près de vingt ans pour Theseus und Antiope (Thésée et Antiope) car « la peinture sur la toile doit grandir ». Les reliefs colorés qui en résultent conservent la trace du processus de création au long cours de l’artiste, qui prend de l’âge. Contrairement au « peindre contre le temps » d’un Pablo Picasso qui, dans sa dernière période, crée une nouvelle toile toutes les deux heures, Kokoschka inscrit sa peinture dans le temps et la durée, cherchant « l’absolu », l’inaccessible, suivant l’esprit d’Alberto Giacometti.

(Tiré de l’article « Oskar Kokoschka: rebelle, humaniste et Européen » de l’album « Oskar Kokoschka: un fauve à Vienne », page 30)

Bien qu'il n'eût pas reçu une formation artistique conventionnelle, Basquiat connaissait et appréciait les artistes qui l'avaient précédé, comme Rauschenberg, Cy Twombly, les membres de CoBrA et Karel Appel, et bien sûr Picasso. Au cours de notre échange il insista sur le fait qu'il n'était ni un artiste de rue ni un graffeur, mais un peintre en dialogue avec les artistes européens d'après-guerre et les expressionnistes abstraits américains.

Peu avant l'armistice, Edith fut emportée par l'épidémie de grippe espagnole qui éclusait les morts par millions, en plus grand nombre que la guerre ne l'avait fait. Comme il la dessinait sur son lit d'agonie, le peintre l'enveloppa de sa ligne la plus tendre. Son crayon pouvait la saisir- la définir-mais non la défendre. Trois jours après , le 31 octobre, l'influenza l'emportait à son tour. La mort, avec sollicitude, exécuta son dernier portrait.

De bout en bout, l'orientation de l'artiste demeurait bidimensionnelle et il accordait peu d'attention au modelé intérieur. Pourtant, d'une façon qui lui était propre, il accusait les effets plastiques en travaillant au pinceau les coulées de pigments et en obtenant des "humides sur humides" qui, pour un artiste moins prompt, seraient restés hors d'atteinte. La tension entre le sujet et les bords de la surface picturale trouvait un écho dans les couleurs en mouvement, mordant l'une sur l'autre, mais contenues par le trait du crayon. La palette de Schiele repondait à un monde d'associations tonales très personnel, plutôt qu'à une imitation servile du visible.

L'oeuvre de Basquiat, cet artiste si conscient du poids de l'histoire, se caractérise par un mélange singulier: au généreux partage de son expérience personnelle s'ajoute l'impression que sa position individuelle reposait sur un amour profond et complexe du "collectif". Je veux dire par là que son travail n'est nullement centré autour de sa personne, et traite bien plutôt de l'humanité collective des Noirs.

Le jazz , et plus particulièrement celui de l'immédiat apres-guerre, a été pour Jean-Michel Basquiat un répertoire de figures et de héros, mais aussi un style et une manière, transposable visuellement dans la gestualité de sa peinture et dans sa façon d'improviser à partir de thèmes connus.

Comme tous ses meilleurs modèles, Wally était une collaboratrice de talent, et Schiele, qui ne manqua jamais de lui reconnaître une part égale à la sienne dans leur compagnonnage artistique, alla même jusqu'à l'élever avec lui au sacerdoce de la voyance. Le renouvellement du regard qu'il portait sur les femmes et de sa compréhension de la psyché féminine se manifeste avec autant d'évidence dans d'autres portraits réalisés à la même époque .

De fait, les nus de Schiele font éclater la paroi de verre du "quatrième mur" qui sépare l'espace réel de l'espace illusoire de l'oeuvre. Au lieu de se tenir paisiblement à distance, ses personnages jaillissent hors du cadre et nous sautent aux yeux. Souvent, le peintre accentue l'effet de dislocation spatiale en supprimant tout point d'appui ou en dressant à la verticale ses corps étendus.

Je crois qu'il n'existe pas d'art moderne, il n'existe qu'un art qui est éternel.

L'amateur véritable doit être habité par le désir de pouvoir posséder l'œuvre la plus ancienne et la plus récente. Une seule œuvre d'art vivante suffit à rendre un artiste immortel.