Revue Artpassions

Le flou, la modulation de la lumière et de la couleur qui s’effacent, propres au sfumato permettent de rendre l’image vivante et dynamique, de la faire apparaître comme en mouvement, de lui donner un aspect transitoire, celui de l’instant, du moment qui passe – l’aspect même de la vie, loin de l’apparence figée des œuvres linéaires du Quattrocento florentin.

Baudelaire n’aimait pas Bruxelles. Ni les Belges. « Tous les Belges sans exception ont le crâne vide », proclamait-il à propos du peuple qui l’accueillit de 1864 à 1866. Insensible aux charmes de ce Nord où il pensait trouver un eldorado pour l’édition de ses ouvrages mais ne buta que sur des portes closes, le poète en fin de vie déversa, dans un pamphlet inachevé connu sous le titre de « Pauvre Belgique », tout son fiel sur cette jeune nation. Ce sont des dizaines de pages d’insultes et d’attaques obscènes voire scatophiles (« La Belgique est un bâton merdeux »). Rien, rien de ce qui est belge ne trouve grâce à ses yeux, des femmes aux journaux en passant par les universités, l’aspect de la campagne, la consistance de la nourriture, l’état des roues, l’idiotie des hommes politiques ou le roi Léopold 1er, ce « misérable petit principicule allemand ». De la fange wallonne, il ne sauve qu’une seule et unique chose : les arts des anciens Pays-Bas méridionaux, alors que dans le refuge des églises et des musées il découvre Van Eyck (ses panneaux sont « superbes mais crapuleusement flamands »)…

Sans dénoncer explicitement une situation précise, les œuvres de Michal Rovner font du déplacement un élément cardinal. Rappelant que l’être humain a toujours été une espèce migratoire parcourant le globe, s’établissant partout où il pouvait vivre dans des conditions décentes… Elles se prêtent à ne chaîne d’associations possibles qui oscillent entre le poétique et le politique, ouvertes à de multiples interprétations pour exprimer un message à portée universelle. Questionnant la mémoire, l’écriture, l’identité, l’existence et le temps.

« La psychanalyse, écrivait-il (Magritte), n’a rien à dire des œuvres d’art qui évoquent le mystère du monde. Peut-être la psychanalyse est-elle le meilleur sujet à traiter par la psychanalyse ».

« On n’est pas un homme du seul fait d’être né. Il faut le devenir à nouveau à chaque instant », notait Oskar Kokoschka dans Ma vie, en 1971.

Le fait est que pour comprendre l’art contemporain, il est moins nécessaire d’avoir lu la Bible et les Métamorphoses d’Ovide comme c’est le cas pour l’art ancien.

Bien sûr, Poussin est un peintre très difficile, qui a mis la barre très haut et aujourd’hui, alors que les connaissances de la Bible et de la mythologie sont en chute vertigineuse, Poussin est devenu encore plus difficile. Il faut rester longtemps devant ses tableaux pour les comprendre, pour les apprécier : c’est un peintre qui demande du temps, denrée rare de nos jours.

(Montserrat Caballé)
On pouvait s’attendre à tout avec elle, la plus complète des cantatrices du XXe siècle : à la fois les pieds sur terre et la voix dans l’empyrée, lequel était dans la mythologie grecque la plus élevée des quatre sphères célestes et le séjour des dieux. C’est là-haut qu’elle nous entraîne, c’est là-haut qu’elle nous fait planer.

A l’heure où l’homme occidental s’alarme de la fin de l’humanité, Banksy affirme au contraire que la consommation a fait son temps. Et tournant en dérision la part d’ivresse d’un déclinisme masochiste, il propose de la convertir en destruction –ou plutôt : en virtuel. Car ce qui fait le prix de son œuvre laminée n’est pas sa matérialité : ce sont les millions de « retweets » et de liens menant vers la vidéo de son laminage.

Le 5 octobre dernier, à Londres, se produisait un événement qui ferait date dans l’histoire de l’art : la destruction d’une œuvre qui venait d’être vendue aux enchères pour un montant record. Signée Banksy, plus fameux « street artist » d’aujourd’hui et intitulée Girl with baloon, la toile représentait une petite fille imprimée au pochoir, s’envolant et tenant un ballon rouge en forme de cœur. Je dis bien représentait, car sitôt que le marteau du commissaire-priseur eût frappé son pupitre, un moteur caché dans le cadre se mit en branle, hachant la majeure partie de la toile adjugée. Sidérés, les spectateurs de la vente se ruèrent tous sur leurs téléphones pour photographier ce « happening ».

Un grand photographe ne photographie pas. Il photographie la photographie. En d’autres termes, il compose son champ autant que son hors-champ.

Si l’on ne peut que s’extasier sur l’éblouissante maîtrise technique des artisans égyptiens et l’extraordinaire éclectisme formel de leurs productions…. On ne saurait oublier que ces parures n’étaient en rien de simples colifichets ! Le métal jaune qui présidait à leur fabrication était investi, lui-même, d’une forte charge symbolique. Inaltérable, étincelant comme le soleil, l’or était en effet considéré par les anciens Égyptiens comme la « Chair des Dieux ».

Il existe, en matière d’expositions, des modes, tout comme dans la couture et la gastronomie.

Quand vous semez quelque chose, il faut du temps et de la patience pour voir surgir et pousser la plante. Les grands jardiniers ont planté des arbres qu’ils n’ont jamais vus adultes. Leurs jardins sont des constructions artistiques et architecturales pensées pour le futur. Dans les arts visuels en revanche, il y a une parfaite immédiateté : tout vous est donné d’un coup ! Parfois il faut voir et revoir l’œuvre plusieurs fois pour parvenir à y entrer.

Mais là où une œuvre d’art vous prend trente ou quarante minutes, un opéra de Wagner dure quatre heures. Pour bien y entrer, il faut peut-être une deuxième fois quatre heures, et pour vraiment le comprendre dix fois quatre heures… La musique demande beaucoup plus de concentration et d’engagement. Et il y a cette abstraction de l’oreille. Tout est immatériel.

Léonardo Cremonini. Peintre italien emblématique des années cinquante à deux mille (1925_2010) connut la gloire de son vivant. Admiré par ses pairs tels que Bacon ou Matta et par des écrivains comme Moravia, Calvino, Eco, Butor ou Debray, son œuvre est représentée dans les plus grands musées (Beaubourg, MoMa, Gam de Milan, …)

Ce que la traduction a de plus significatif, c’est qu’un peuple puisse, en s’appropriant ce qui lui est étranger, se développer lui-même en se regardant dans le miroir de l’autre.

L’histoire est le plus souvent écrite par les vainqueurs. Mais parfois les vaincus relèvent la tête.

Gauguin fascine par son approche des matières et de leur possible transformation, par sa capacité à s’engager dans une voie inédite, celle de la récupération, l’association de matériaux et le goût de l’accident.
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Les frontières entre les différents médias tombent, toute hiérarchie disparaît. Les carnets de croquis et l’imaginaire de Gauguin deviennent autant de chaudrons dans lesquels il élabore des procédés inédits.

Paul Klee est né à Berne, en 1879, d’un père allemand, professeur de musique et d’une mère bâloise. Il revint dans cette ville en 1901 durant les premières années de son mariage avec la pianiste Lily Stumpf hésitant entre la musique, la poésie et la peinture. Bien qu’il soit entré, en 1898, dans l’atelier de Franz von Stuck, à Munich, il continuera à pratiquer le violon pendant toute sa vie. La poésie ne le quittera jamais, elle est présente dans les titres de ses tableaux et dessins.
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C’est le grand voyage en Tunisie, effectué en 1914 en compagnie de ses amis Louis Moilliet et August Macke, qui lui révèle la couleur et la lumière et lui fait faire les premiers pas vers l’abstraction.
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En 1915 il note : « Plus le monde devient effrayant (comme c’est le cas aujourd’hui), plus l’art devient abstrait, alors qu’un monde heureux fait s’épanouir l’art réaliste ».

« Je me suis rendu compte qu’être artiste a plus à voir avec une façon de vivre et une attitude qu’avec la production d’objets… Je pense que mon attitude et ma façon de vivre sont mes œuvres d’art les plus importantes. »
Ai Weiwei