Revue Le Magazine des Arts

Mariano Utero. Fils de républicains espagnols réfugiés à Rennes, … Son œuvre essentiellement figurative, s’attache à la représentation de la femme (portraits, nus, baigneuses, danseuses). …. Eloge des corps généreux et sensuels…..

Parmi les marchands d’art et collectionneurs les plus marquants du XXe siècle, on trouve, bien sûr, Durand-Ruel, Vollard ou Kahnweiler, mais également Jonas Netter, découvreur de talents mais qui fut toute sa vie d’une telle discrétion qu’il est encore aujourd’hui inconnu du grand public.
Alsacien, représentant en marques installé à Paris, fasciné par l’art et la peinture, il fut l’un des premiers, après son marchand d’avant-guerre Paul Alexandre, à soutenir Modigliani. Il acquit une œuvre, puis deux, puis trois et, collectionneur dans l’âme, ne tarda pas à acheter toutes les œuvres du peintre qu’il voyait chez le marchand d’art Léopold Zborowski. Près d’une quarantaine au total, qu’il conserve jalousement chez lui à la fin des années 1920.
Puis vint Soutine, et Valadon, et Kisling… (..) Il se prend de passion pour Utrillo et sa période blanche, achète par centaines Kremègne, Kikoïne, Hayden, Ebiche, Antcher et Fournier. Grâce à lui, le marché bouge, une nouvelle génération d’artistes émerge qui va révolutionner l’histoire de son temps.

Ce qui est vu dépend de ce que l’on sait.

(Diderot critique d’art).
A l’époque on ne parle pas d’un critique d’art, mais d’un salonnier.

La peinture écrase le langage, le relègue vers des lieux où ses formes n’ont pas cours, où sa personnalité est tiède. Alors qu’est-ce qui peut pousser les écrivains à aller vers la peinture, à attirer la parole vers un terrain où elle est d’emblée vaincue ? Vouloir imposer son art sur un art déjà là frôle le redoublement du sujet ou la tentative d’appropriation. C’est un risque, car cette tâche pourrait être laissée à ceux qui la connaissent le mieux, c’est-à-dire à ceux qui en ont la pratique : mais comme tout phénomène de revitalisation, c’est la puissance d’intuition qui est la plus forte.

(Caillebotte) Comme Edward Hopper, il peint la solitude et les ambiances d’entre-deux, de suspens, d’arrêt sur image, de temporalités hors-temps. Peintre d’une audace folle, il adopte le grand-angle avant l’heure, précurseur absolu, il met en place une vision en plongée qui saisit les personnages et les lieux en tronquant les perspectives, en créant des effets de premiers plans nets et des arrière-plans flous, tout un dispositif radicalement différent et nouveau, déstabilisant le regardeur et lui faisant perdre ses repères en douceur. Et en efficacité.

On était un groupe de rock, un groupe de rock graphique. (Jean-Pierre Dionnet)

Artiste aventurière, Anna Quinquaud a été l’une des premières femmes sculptrices à représenter la vie africaine. Quelque peu oublié ces dernières années, le livre d’anne Doridoui-Heim : Anna Quinquaud : Voyage dans les années 30 a eu le mérite de la faire redécouvrir.

(…)

Si elle n’était engagée dans aucun mouvement, il est évident qu’elle a fait partie de ces grandes figures féministes du début du vingtième siècle. Alors que les femmes n’avaient pas encore le droit de vote, elle va choisir une vie d’artiste exilée plutôt que celle de femme de salon qui lui était destinée.
Cette indépendance d’esprit se retrouve dans son œuvre. Et c’est comme un miroir de ses propres convictions, qu’elle dessinera, sculptera et suivra tout au long de ses voyages des femmes africaines.

Il n’est guère connu, à tort ! Emile Loubon (1809-1863) est le créateur de l’école de Marseille qui forme pendant des décennies de nombreux peintres, entre autres Guigou, Ponson, Monticelli, Garibaldi. Le paysage constitue pour eux le sujet primordial, unique, viscéral presque. Ce qui entre d’abord dans leurs toiles et les structure, sont ces composantes naturelles de la Provence et de la côte méditerranéenne qui leur servent d’atelier en plein air, la lumière, la chaleur, le temps qui s’arrête, les rencontres de la mer, de la terre et du ciel.

Le bonheur est fragile, car l’homme est condamné au glissement, à la répétition, à l’incertain.

Il y a des œuvres de Max Ernst qu’on regrette de ne pas voir tenir leurs promesses….

Tamara de Lempicka, l’artiste fatale.

Mystère, exil, amour, tourment, quels mots employer pour une telle dame qui s’éprend à Florence de Botticelli et apprend à Montparnasse auprès d’André Lhote le « cubisme doux » ? Peignant les princes et les stars mais aussi des pauvres et des émigrés, « garçonne » qui ne compte ni ses amants ni ses amies, Tamara de Lempicka est un diamant à facette scintillantes mais avec des éclipses. Elle mit son talent au service d’une esthétique raffinée, tantôt axée à l’horizontale autour d’un divan, tantôt cadrée à la verticale par des gratte-ciels.
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Si les portraits aux modelés géométriques, aux couleurs nettes et glacées peints durant les années dites folles lui assurent sa célébrité, ceux qu’elle signe en revanche après la seconde guerre n’offrent plus les mêmes reliefs provocateurs.
Entre Varsovie, Paris, Hollywood et Cuernavaca où elle meurt en 1980, la « diva de l’Art Déco » a promené sa silhouette élégante, sa modernité romantique, son désir de « mener l’assaut sur les conventions humaines ».

Paul Durand-Ruel, grâces lui soient rendues…..
… Le fifre de Manet, les Coquelicots de Monet, la Danse à la campagne de Renoir, la Bergère de Pissarro ou encore les Repasseuses de Degas, toutes ces œuvres sont passées entre les mains de cet homme avant de prendre place au Musée. Paul Durand-Ruel a ainsi étroitement associé sa galerie avec un mouvement artistique et contribué à inventer le marché de l’art moderne afin, selon son terme, d’ »imposer » ses peintres, bientôt nommés « les impressionnistes ». C’est son goût, celui d’un marchand qui « avait du flair » qui constitue l’essentiel des collections impressionnistes en France et dans le monde…

« Je reste quand même original puisque j’ai des ennemis. »
Emile Bernard

Niki de Saint Phalle, Sacrées Nanas
Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phale (1930-2002) se souvient que dans son enfance, elle voulait être une héroïne, comme « George Sand, Jeanne d’Arc ou un Napoléon en jupon »
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Artiste autodidacte, comme bon nombre d’entre eux au XXe siècle, c’est sa pratique de l’art et ses rencontres qui vont la fabriquer. La conduire à se figurer elle-même géante sous la forme d’un corps féminin imaginaire et improbable, un double méconnaissable, un double ébouriffant, blanc comme une mariée ou coloré, en rondeurs, et surtout, en totale opposition avec la beauté de son image réelle de Top model métamorphosée en artiste vue et filmée tout au long de sa vie, notamment dans des interviews et happenings. Laquelle des deux est la plus Niki de Saint-Phalle ? Toujours est-il qu’elles cohabitent.

Zadkine, on l’oublie souvent, fut aussi un remarquable dessinateur.
« Il n’y a vraiment que le dessin pour remettre d’aplomb », écrivait-il.

« D’une insignifiante tristesse de tapissier… borné, manque d’imprévu » On lit aussi qu’il « peint comme un policier, comme quelqu’un dont le métier consiste à attraper des formes et des couleurs. Tout craque sous l’effet d’une insupportable sécheresse ». On note encore son « air doux, simple, distingué », ses « cheveux plats, naturellement séparés par une raie bien droite », ses « théories peu compliquées ». Autour de 1900, certains critiques ne sont pas tendres avec Vallotton.
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D’autres heureusement saluent en lui sa « fantaisie ailée », cette « force presque surnaturelle de simplification » et relèvent combien sa « ligne est dure et puritaine ».
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Les tableaux de Vallotton, plus que « des poèmes de chair et d’âme » dont parlait Octave Mirbeau, sont des « thrillers… tout lui est bon pour créer le suspens ».

Un homme qui n’aime pas l’Italie est toujours plus ou moins un barbare, assurait Félicien Marceau.

Style et esprit de l’Ecole de Pont-Aven
L’école tient son nom d’un village du Finistère où Gauguin et Bernard s’étaient isolés. Très vite d’autres peintres vont les rejoindre. Influencés par les estampes et œuvres japonaise, ils vont repenser et casser une certaine tradition naturaliste/réaliste. « Ce ne fut pas une école consistant en un maître entouré d’élèves. C’étaient des indépendants qui apportaient en commun leurs idées personnelles et surtout la haine de l’enseignement officiel » a écrit Paul Sérusier.
Ils décident ainsi de dessiner les paysages de mémoire et non plus de visu. A la vérité des détails, ils préfèrent celle des symboles : les corps humains sont stylisés en silhouettes marquées par un contour prononcé. Une autre caractéristique est la confrontation entre couleurs froides et couleurs chaudes qi fait ressortir les formes. Ce contraste des couleurs joue sur la profondeur et les plans qui créent une perspective particulière.

Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) fait partie des plus grands marchands d’art de l’époque moderne. En 1907, ce jeune allemand de 23 ans ouvre sa première galerie, mais en France, fruit d’un attachement à l’égard de deux pays qui ne vont pas tarder à s’entredéchirer. Im paiera plus tard très cher le prix de cette double énamoration. Ne voulant prendre les armes ni contre son pays d’origine ni contre son pays d’adoption, il se réfugie en Suisse pendant la Première Guerre mondiale. Pendant ce temps, l’administration française saisit le fonds de sa galerie comme « bien ennemi » ; …..
Des années plus tard, il mettra toute son énergie à racheter certaines des peintures qui lui ont été volées pendant le conflit.