Camille muse de Claude Monet

Ces cinq-là possédaient le même regard sur un art nouveau : les couleurs bitumineuses, terre de Sienne, noires, ne faisaient pas partie de leur vocabulaire. Une idée les réunissait : une nouvelle conception de la peinture basée sur la prépondérance de la vision. Leur crédo : touche libre, peinture claire, étude en plein air, tons purs appliqués par petites touches d'un jet de toile, observation de la lumière changeante modifiant les couleurs, sensations fugitives et éphémères des choses.

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Elle avait surgi en forêt dans un rayon de soleil, de la même façon que cette vision fugace du port du Havre au petit matin. Sept années d’un bonheur constant s’étaient écoulées à l’aimer et la peindre. Il ne pouvait envisager que ce bonheur puisse être tout aussi éphémère qu’une source lumineuse se dissipant dans la brume. Il avait tellement besoin d’elle, de ses sourires, de ses caresses, de leurs instants de volupté… Se pouvait-il qu’un grand bonheur puisse s’envoler, cesser d’exister ?

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Sur la plage, lorsqu’il ne peint pas, Claude continue son enseignement. « Examine les contrastes d’ombre et de lumière, ils se répartissent à ravir. Les couleurs soucieuses les unes des autres suivant le principe des complémentaires que tu connais, vibrent intensément. Un vert et un rose, côte à côte, se font valoir l’un l’autre. » Camille est réceptive à ses paroles : « La sensation. Elle est essentielle dans la peinture, loin devant la forme, la matière, la description, que les maîtres nous apprennent. Un tableau doit reproduire tes émotions, ta scène intérieure, ton ressenti visuel face au spectacle qui s’offre à toi. La touche hachée, épaisse ou mince, ne doit pas être léchée. »