Felix Lope de Vega

Publiée en 1635, l’année de la mort de Lope de Vega, la pièce sembla avoir été écrite et créée entre 1620 et 1623. L’auteur s’est inspiré d’une chronique publiée en 1541 à Zamora, qu’il modifie toutefois en introduisant un motif amoureux dans l’affaire.



Sancho et Elvira se mettent d’accord pour se marier, le père d’Elvira, Nuno, donne son accord, mais demande au fiancé d’en informer le seigneur du lieu, Don Tello. Ce que fait Sancho. Le seigneur lui fait des présents et lui annonce qu’il va lui faire l’honneur de sa présence à la noce. Sancho revient ravi. Mais Don Tello est subjugué par la beauté d’Elvira et fait ajourner le mariage. Puis, la nuit, fait enlever la fiancée. Il nie l’avoir enlevée à Sancho, et tente de la séduire, mais elle résiste fermement à toutes ses avances. Sancho va trouver le roi Alfonso VII pour se plaindre. Ce dernier écrit une lettre à l’intention de Don Tello pour qu’il rende Elvira à son promis. Ce dernier ne tient pas compte de la lettre et fait chasser Sancho. Qui revient vers le roi. Le souverain est ulcéré par le comportement de Don Tello et se met en route pour le châtier. Ce qui ferra, même s’il arrive après le viol d’Elvira. Pour lui rendre son honneur, il va la marier à Don Tello avant de faire pendre ce dernier. Veuve, donc honorable, et nantie de la moitié de la fortune de Don Tello, elle peut épouser Sancho.



Lope de Vega creuse encore une fois la thématique des violences des nobles vis-à-vis des paysans, et du roi justicier qui restaure un ordre équitable, même si impitoyable. C’est linéaire et un peu attendu, mais cela a le charme de vieux récits légendaires, de contes, de mythes. Les personnages sont bien caractérisés, Elvira tout particulièrement.



Une pièce qui montre le savoir faire de Lope de Vega à la fin de sa carrière théâtrale.

Cette comedia se base sur une ancienne légende médiévale. Les faits évoqués auraient eu lieu au Xe siècle, et ont donné lieu à une production littéraire abondante : chants épiques, chroniques, romances…. Lope de Vega s’attaque à une histoire connue de tous, largement diffusée et qui a déjà déjà donné lieu à plusieurs pièces de théâtre dès le XVIe siècle.



Gonzalo Busto a sept fils, dits les septs infants de Lara. Pendant une fête, le plus jeune d’entre eux, Gonzalo Gonzales offense doña Lambra, la femme de leur oncle Ruy Velázquez. Doña Lambra ne pardonne pas, et exige que son mari la venge. Ce dernier ourdit un complot : il envoie Gonzalo Busto chez le roi more de Cordoue, Almanzor, avec une lettre pour demander le mettre à mort. En parallèle il entraîne les sept infants pour une bataille, mais les frères sont abandonnés par son armée et tombent dans une embuscade. Toutefois Almanzor ne s’est pas résolu à assassiner Gonzalo Busto, il l’a emprisonné. La sœur du roi more, Arlaja, a une liaison avec lui. Après la mort des sept fils de Gonzalo Busto, Almanzor fait relâcher son prisonnier. Ce dernier, vieillissant, est tourmenté par doña Lambra. Mais Arlaja a eu un fils, Mudarra, qui pense être le fils d’Almanzor. Au cours d’une partie d’échecs qu’il est en train de perdre, ce dernier traite son neveu de bâtard. Sa mère lui révèle alors son origine. Mudarra va rejoindre son père, décidé à se convertir au christianisme. Il apprend l’histoire de ses sept demi-frères, qu’il va venger.



Lope de Vega a écrit dans des registres très différents. Nous sommes ici dans une sorte d’épopée légendaire, avec au centre les notions d’honneur, de vengeance. Mais cette vengeance présente deux aspects opposés. La vengeance voulue par doña Lambra est une vengeance illégitime et cruelle, provoquée par son orgueil démesuré. Elle introduit le mal, la destruction. Son mari se laisse entraîner par faiblesse. En revanche la vengeance exercée par Mudarra est réparatrice, elle ramène la justice. Elle est donc légitime et vertueuse.



C’est incontestablement très efficace, simple et grandiose à la fois. C’est ce qui ressemble le plus aux tragédies, telles qu’on peut les trouver dans le théâtre classique français, même si la trame appartient à l’histoire espagnole.

La comedia espagnole est avec le théâtre élisabéthain et le théâtre classique français l’un des trois grands théâtres européens nés suite aux bouleversements de la renaissance. Mais il est le moins connu et le moins joué des trois. Shakespeare, Molière, Racine voire un peu Corneille sont étudiés, joués, admirés, même si ce ne sont que certaines de leurs pièces et que leurs contemporains souvent passionnants, sont oubliés. Mais la situation est encore moins favorable pour les auteurs espagnols de la même époque, seuls quelques titres sont de temps en temps donnés, presque comme des curiosités, alors que ce théâtre a inspiré tout ce qui se faisait en Europe de son temps. Un corpus de plus de 10 000 pièces nous est parvenu pourtant, petite partie de ce qui a été jouée en Espagne au XVIe et XVIIe siècle, ce qui montre à quel point ce théâtre a été prolifique et populaire.



Lope de Vega est un des grands auteurs de ce théâtre, l’un de ceux dont le nom a passé les siècles et dont quelques pièces continuent à être jouées parfois. Il résume assez bien la vitalité de la littérature espagnole de l’époque : il aurait écrit un nombre imposant de pièces, plus de 1000 (certains vont jusqu'à 1800), dont il reste environ 450. Et n’écrivit pas que du théâtre : romans, nouvelles, proses diverses, sans oublier la poésie, ont coulés de sa plume. Evidemment une telle abondance pose la question de la qualité : était-il juste un graphomane, répondant à une demande dans une forme d’immédiateté, sans réel soucis de la valeur des ses écrits, de perfection formelle qui aurait pu lui permettre de bâtir une œuvre capable de survivre à son époque ? Ou malgré l’abondance de sa production a-t-il pu produire quelque chose de valeur qui puisse encore nous toucher, nous parler malgré les siècles ? Les possibilités de répondre à cette question sont rares, les pièces de Lope de Vega accessibles sont relativement limitées, et la question de leur représentativité se pose : on suppose bien sûr que ce sont les meilleures qui ont été traduites et qui sont jouées.





Pedro et le commandeur appartient au genre de comedias dites rustiques, qui mettent en scènes des paysans, et cela d’une façon non anecdotique, sans les ridiculiser systématiquement. A l’origine de la pièce, quatre vers d’une romance traditionnelle dont il ne reste que ces vers :

J'aime mieux mon Peribañez/Et sa cape de bure grise /Que vous commandeur /Et votre cape dorée.



La pièce commence dans un village, Pedro un paysan aisé épouse Casilda, les deux jeunes gens sont très amoureux. Mais le mariage est perturbé : un grand seigneur, don Fadrique (le commandeur du titre) est blessé par un taureau qu’on devait faire courir à l’occasion du mariage et qui est devenu furieux. Soigné par Casilda, le seigneur en tombe amoureux dès le premier regard. Mais Casilda est fidèle et ne veut pas tromper son mari. Le commandeur va avoir recours à des ruses, il est poussé à la séduction par son serviteur Lujan, qui se rapproche d’une cousine de Casilda, Constance, qui essaie de convaincre Casilda de céder au commandeur. Mais Casilda reste inflexible. En désespoir de cause, sous prétexte d’une récompense, le commandeur fait donner à Pedro une charge militaire, qui doit donc partir. Mais il revient la nuit, et surprend le commandeur en train de tenter de violer Casilda. Pedro le tue, le commandeur lui pardonne. Mais la justice du roi n’est pas aussi bienveillante, et met à prix le tête de Pedro. Ce dernier préfère se présente au Roi pour s’expliquer, accepte sa condamnation et demande au Roi de remettre la récompense promise pour le livrer à sa femme. Devant la noblesse de Pedro, le Roi bouleversé, lui accorde son pardon et la récompense promise à Casilda en prime.



La pièce est assez simple dans son déroulement et son intrigue. Il y a un côté pittoresque, notamment dans les scènes du mariage, et les chants paysans. Les personnages ne sont pas simplifiés à outrance : don Fadrique se rend compte que son comportement n’est pas défendable, mais il est pris par la passion amoureuse, ce qui tire la pièce vers une forme de tragédie, malgré les aspects comiques et familiers. La noblesse se trouve aussi bien chez les puissants que chez les paysans. Mais la pièce, malgré certaines lectures, défend la hiérarchie sociale en place : les méchants de l’affaire sont Lujan et Constance, c’est à dire des manants. Don Fadrique fait le mal malgré lui et pardonne à Pedro qui l’a tué. Et c’est au final le Roi, qui conclut la pièce en accordant son pardon à Pedro. La morale de l’affaire est quand même qu’il faut faire confiance à l’organisation sociale, même si certains se livrent parfois à des abus, au final la justice peut être rétablie à un niveau supérieur. Plutôt que de se révolter, il vaut mieux monter à l’échelon supérieur, puisque le souverain est juste et humain par définition.



La pièce est incontestablement efficace dramatiquement, jouant sur plusieurs registres, entre comique et dramatique, voire tragique. Mais je ne suis pas sûre qu’elle puisse donner lieu à des lectures multiples, et demande sans doute pas mal d’imagination au metteur en scène pour trouver un angle vraiment original.