Revue Art Absolument

L'histoire est-elle vouée à être toujours écrite par les vainqueurs, en particulier celles des femmes, et la vérité sur leur condition, leur génie, leur talent dissimulée par une doxa dominante ? Il faut donc toujours creuser, et chercher cette vérité au-delà des apparences.

Soulages : « Ma peinture ne devient de l’art qu’à partir du moment où elle est vue, où elle est regardée par d’autres, comme une œuvre d’art, c’est-à-dire comme une chose que d’autres regardent et vivent à leur manière ».

« Soit dit sans me fâcher avec nos braves peintres, vous leur êtes supérieure », annonce le financier Pierre Crozat à la jeune Rosalba Carriera à Venise, ouvrant la profession encore neuve de pastelliste aux femmes.

(Rosalba Carriera, « Nymphe de la suite d’Apollon, 1721 Musée du Louvre)

Dans cette salle énigmatique, intitulée Les Attracteurs étranges, se nouent des relations nouvelles entre biologie, mathématiques et poétique numérique. Les Attracteurs étranges sont des objets mathématiques propres aux systèmes chaotiques qui deviennent ici d’immenses volutes de couleur.

La nature est l’invention de la vie. L’art, c’est l’invention d’une joie (Derain).
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L’art peut donc nous aider à vivre et à être heureux, renchérit Bruno Girveau

A Lorsqu’Elisabeth Vigée-Lebrun et Adélaïde Labille-Guiard sont reçues en mai 1783 à l’Académie royale de peinture et de sculpture… Quatorze artistes femmes les ont précédées en cette royale institution, presque toutes admises avec des peintures de fleurs ou d’oiseaux, genre délicat. Mais Labille-Guiard est reçue pour son portrait du sculpteur Antoine Pajou et Elisabeth Vigée-Lebrun pour une scène mythologique, « La Paix ramenant l’Abondance ». Sauf que, suprême hypocrisie, ce genre, « inconvenant » pour une femme, ne sera pas mentionné.

« Quand on regarde les oeuvres de Picasso, on devrait toujours regarder les dates. » S’il est conseillé de suivre la lucidité historienne de Michel Hilaire, elle n’est en rien contradictoire avec une autre sentence, exprimée avant lui par René Char. À propos de son ami, le poète écrit que « les dates que le peintre dépose, bien en vue, sur quelques tableaux, ont le vol fatidique des oiseaux sauvages, ceux qui sur fond de ciel rendent caduc l’usage du calendrier ».

Au moment de la modernisation du Japon, sous la dynastie Meiji (1868-1912), un débat sur sa valeur fait rage : en 1883, celui-ci se cristallise autour de l’affirmation selon laquelle « la calligraphie n’est pas un art ». Malgré la défense éclairée de cette activité artistique par le directeur de l’école des Beaux-Arts de Tokyo d’alors, Okakura Tenshin, la calligraphie est restée en retrait par rapport à la peinture et il a fallu attendre 1948 pour qu’elle soit représentée dans le salon national Nitten. Cependant, dès 1933, un courant de calligraphie contemporaine dans lequel est revendiqué l’emploi de textes d’auteurs modernes –japonais ou non – voit le jour. Yu-Ichi Inoue y joue un rôle révolutionnaire, introduisant une nouvelle pratique basée sur l’utilisation d’énormes pinceaux balais et de la peinture laquée tout en fondant son acte créatif sur le mouvement du corps.

Ne demande jamais ton chemin à celui qui le connaît, tu risquerais de ne pas t’égarer.
(Rabbi Nahman de Bratlav)

En effet, Hergé a réussi à développer un espace narratif projetant le neuvième art hors de sa case. 'La situation est nette", aussi nette que le récit est limpide. "Remarquable" dans sa capacité à véhiculer la vision du monde de son auteur - fidèle aux valeurs du scoutisme qu'il fréquente dans sa jeunesse carnet de dessin à la main - , Tintin l'est surtout par son efficacité narrative.

Henry Moore Les noces de la pierre et de l’espace

Les coquillages représentent la forme dure mais creuse de la nature et possèdent la merveilleuse complétude d’une forme unique. Les cailloux et les rochers révèlent la manière dont la nature travaille la pierre. Les galets roulés par la mer exposent le processus d’usure, de frottement de la pierre et les éléments d’asymétrie. Les rochers divulguent le traitement de la pierre ébréchée, cassée et ont le rythme d’un bloc anguleux et nerveux…. » Ainsi le matériau, par sa forme, sa consistance, ses accidents, prédétermine l’œuvre.__

Rien de mieux que les produits dérivés pour neutraliser une image.

Le MBAM ne s’intéresse pas tant l’histoire de l’art qu’à l’aspect politique du sujet. Raison pour laquelle Nathalie Bondil a « réadapté » le propos initial, affirmant qu’on ne peut plus monter une exposition sans tenir compte du rééquilibrage géopolitique de la planète, a fortiori dans la société canadienne où règne la diversité culturelle. D’autant que, insiste la commissaire, « Les artistes de l’ère postcoloniale ne résument pas leur identité à la seule culture africaine mais se définissent au travers d’une identité multiple et transnationale. La plupart ont d’ailleurs des itinéraires biographiques nomades, qui ne se limitent pas aux frontières de leur lieu de naissance. Ils ont vécu ou vivent dans des pays d’Europe ou d’Amérique et ils appartiennent, ou se décrivent comme appartenant, à une diaspora citoyenne globalisée. »

(D’Afrique aux Amériques Picasso en face-à-face d’hier à aujourd’hui au musée des Beaux-Arts de Montréal)

Le fait d’habiter un lieu permet d’habiter son propre cœur, d’entrer en soi. Habiter renvoie au fait de s’habiter…
(Younès Rahmoun)

L’intérêt de la peinture, c’est qu’elle ne se lit pas, elle se regarde, avec ses interprétations personnelles .La peinture appartient à celui qui la regarde, non pas à celui qui la fait. Quand je suis dans mon atelier, avec les tableaux, je fais mes associations d’idées, je me raconte mes histoires. Mais une fois sortis de l’atelier, les tableaux ne m’appartiennent plus. Une autre aventure commence avec le spectateur.
(Gérard Garouste)

Si je peins, c’est parce que les mots me manquent. Dyslexique, je n’étais pas doué à l’école. La seule chose qui m’a toujours sauvé, c’est dessiner. C’est comme un instinct de survie. C’est ce que font tous les enfants et puis, en grandissant, ils oublient.
(Gérard Garouste)

Poète de « l’effacement comme façon de resplendir », Jaccottet disait de la peinture de Morandi « qu’elle aurait reçu sa lumière de la neige ».

Qu’est-ce que l’art du pastel sinon la conversation raffinée d’un peintre avec son modèle, empreinte de « raisonnements et déraisonnements courts » (Montesquieu), dans une affection générale des sens ? Presque une définition de la France des Lumières. Apparu à la Renaissance, à la suite des Clouet, ce bâtonnet formé de craie ou de plâtre, mélangé à des pigments de couleurs et solidifié grâce à de la gomme arabique, répand sa poudre colorée à la façon des ailes d’un papillon. À la fin du XVIIe siècle, Charles Le Brun apprécie sa vitesse d’exécution pour fixer les traits réels de Louis XIV. Usant d’un moelleux et de passages de sang approchant au plus près de la carnation, Joseph Vivien connaît le succès, en osant dessiner au pastel intégral des effigies aux dimensions identiques à celles de l’huile.

Dès 1928, le thème du Minotaure apparaît dans l’oeuvre de Picasso sous la forme d’un collage. À partir de 1932, le personnage s’invite durablement dans l’atelier avec la production de la couverture de la revue surréaliste Minotaure éditée par Tériade et Skira. Ce nouvel avatar de l’artiste remplace l’Arlequin de la période rose. Le Minotaure porte d’ailleurs un costume d’Arlequin dans le rideau de scène conçu en 1936 pour 14 juillet de Romain Rolland, créant une allégorie du capitalisme dans cette célébration liant la prise de la Bastille et l’avènement du Front populaire.

L’exposition Artistes & Robots est une nouvelle étape de sa reconnaissance
auprès d’un plus large public. L’exposition a été programmée à Paris suite à son grand succès à Astana au Kazakhstan et elle a été étendue – avec le double d’espace, mais surtout avec de nouveaux artistes et de nouvelles approches, comme le corps augmenté et l’intelligence artificielle…