René Ménard

Les loges de Raphaël, au Vatican, sont peintes dans une galerie ouverte d'un côté, servant de corridor entre l'escalier du second étage et la salle de Constantin. Cette galerie comprend treize compartiments ou loges à petites coupoles, et chaque loge comprend quatre tableaux, dont quarante huit sont tirés de l'Ancien Testament et quatre du Nouveau c'est ce qu'on appelle la Bible de Raphael. L'artiste avait l'intention de décorer les autres loges avec un cycle de sujets partant de la dernière scène du Nouveau Testament et comprenant l'histoire des Apôtres et des principaux saints de l'Église. la mort l'a empêché de réaliser ce projet.

Mais l'art va bientôt traduire autre chose que des faits matériels. En présence des maux dont il est affligé, des injustices dont il est témoin, l'homme éprouve le besoin de se figurer un monde différent, qui réponde à la notion qu'il a du bien et de la justice ; il conçoit l'idée d'un Dieu fort et juste qui châtie les méchants et récompense les bons. Il la réalise par l'art et fabrique une idole, image visible de sa conception religieuse. Pour exprimer ce Dieu fort, il lui donnera les formes connues qui annoncent la force ; et pour rendre vraisemblable ce qui est impalpable et invisible, il aura recours à l'imitation de la réalité. L'art va donc toujours du réel à l'idéal, soit qu'il s'associe à notre industrie, soit qu'il retrace les événements de notre histoire, soit qu'il traduise les conceptions morales de notre esprit.
Dans tous les temps et chez tous les peuples, nous retrouvons le germe de l'art, mais il se développe ou demeure condamné à la stérilité, selon le génie
des races diverses et les conditions morales où s'exerce leur activité.

La numismatique forme une des branches les plus importantes de l'histoire artistique du métal. La première manière dont on s'est servi du métal comme moyen d'échange fut de le donner au poids. Les monnaies furent d'abord des pièces informes et grossièrement travaillées, sur lesquelles on imprima ensuite une marque pour en indiquer le poids et la valeur. Le poids est la base et le fondement de toute espèce de monnaie; mais l'histoire de l'art ne commence pour les monnaies qu'à partir du moment où y figura, comme signe, un emblème ou une effigie.

Fauconnier, dont la réputation date également de la Restauration, fut un véritable artiste. Un grand vase, commandé par le roi Charles X, pour être offert en cadeau au sultan, et une autre pièce de même genre, offerte par souscription au général Lafayette, sont ses principaux ouvrages. Trop amoureux de son art pour être bien habile a gérer ses affaires, Fauconnier fut souvent en perte avec de grands travaux, pour lesquels il employait toujours les plus habiles collaborateurs, et qui souvent lui revenaient plus cher qu'ils ne pouvaient lui rapporter. Il mourut pauvre, laissant à ses neveux, les frère Fannières, l'héritage de son beau et consciencieux talent.

Si l'art n'existait que par le procédé, si son but n'était que la sensation, il faudrait bien nous résigner ; mais avec des procédés empruntés à l'étranger, nos artistes ont dû rendre des idées et produire des émotions qu'on ne trouve nulle part ailleurs. Le Poussin, pour s'être formé en Italie, n'en est pas moins Français par la clarté de l'exposition, par la tournure raisonneuse et contenue de son esprit, par la méthode qui préside à ses ordonnances. On peut appeler Watteau un enfant perdu de Rubens, mais le maître flammand n'a jamais connu celle légèreté , cet enjouement, cette coquetterie, qui rendent si éminemment Français le peintre des fêtes galantes. Ces deux artistes, si différents, se ressemblent pourtant par la tournure française de leur esprit. La raison et le caprice, voilà les deux termes entre lesquels s'agite l'École française, et ces deux termes ne sont pas empruntés de l'étranger .

L'art est l'expression d'un besoin et non d'un caprice. Il est donc inutile de rechercher ses origines dans l'histoire. Le sauvage élève des cahute avec des branches d'arbres : en cela il obéit à un besoin matériel, celui de s'abriter. Mais en même temps, il cherche à la construire à son goût, c'est-à-dire aussi belle qu'il le peut; le chef de tribu aura la plus belle hutte. Ceci est un besoin moral qui est l'aspiration vers la beau.

Parmi les artistes modernes, le peintre anglais Turner est un de ceux qui ont le mieux traduit les splendeurs du couchant. Malheureusement les tableaux de cet artiste ne se voient qu'en Angleterre.

Le Louvre renferme plusieurs statues antiques de Vénus, extrêmement célèbres. La Vénus de Milo est considérée par beaucoup d'artistes comme le chef-d'œuvre le plus complet que nous ait laissé l'art antique. Il y a loin pourtant de la Vénus de Milo à ce type de beauté que se font la plupart des hommes de nos jours. Cette recherche de coquetterie, que beaucoup de gens regardent comme l'attribut de la femme, manque absolument dans cette Vénus victorieuse, dont la beauté est grave et pure, mais sans aucune afféterie. C'est au mois de février 1820, qu'un pauvre paysan grec en fit la découverte en fouillant dans son jardin. Cette statue, en marbre de Paros, est formée de deux blocs dont la réunion est cachée par les plis de la draperie.

L'art est l'expression d'un besoin et non d'an caprice. Il est donc inutile de rechercher ses origines dans l'histoire, car il commence avec l'histoire. Le sauvage élève une cahute avec des branches d'arbre : en cela, il obéit à un besoin matériel, celui de s'abriter. Mais en môme temps, il cherche à la construire à son goût, c'est-à-dire aussi belle qu'il le peut : le chef de la tribu aura la plus belle hutte. Ceci est un besoin moral qui est l'aspiration vers le beau.

Pierre le vieux est né à Breughel, près de Breda, et le nom de son village est devenu celui de sa famille. Il a visité la France et l'Italie. Son surnom de Pierre le Drôle vient de ce qu'il aimait surtout à représenter des scènes burlesques. Breughel d'Enfer, son fils, a peint fréquemment des scènes fantastiques ou des incendies. Léon Breughel , dit de Velours, à cause de son goût pour la toilette, était très habile dans le paysage. La biographie des Breughel est peu connue, et ce qui augmente encore la confusion, c'est qu'il existe encore une autre famille de Breughel qui vivait à la même époque et produisit des artistes d'une certaine valeur.

Dans les temps où les principes fondamentaux de l'art semblent oubliés, où le caprice individuel règne en souverain, il arrive parfois des hommes en qui la volonté et la méthode tiennent lieu d'inspiration, et qui par la seule puissance du goût individuel s'élèvent au-dessus des passions déréglées de leurs contemporains. Tels furent les Carrache, à qui l'Italie doit d'avoir eu une nouvelle série de maîtres habiles qui retardèrent la décadence. Il est peu d'artistes qui se soient montrés aussi absolument affranchis de toute influence des milieux extérieurs. L'art est pour eux la déduction logique
d'un enseignement parfait. Il pourra être indifféremment religieux ou intime, passionné ou décoratif, et il atteindra nécessairement la perfection, si l'artiste a su combiner avec habileté les éléments dont se sont servis les maîtres. Les uns ont donné à leurs figures une tournure magistrale, on cherchera à quoi tient cette tournure ; d'autres ont eu une facture large, on étudiera leur touche ; d'autres ont été grands coloristes, on verra de quelle manière ils ont combine leurs tons. La grâce du Corrège, le grandiose de
Michel-Ange , la noblesse de Raphaël , la splendeur du Titien, résultent de certaines combinaisons de lignes et de couleurs; en étudiant ces combinaisons, on les possédera, et si on les réunit toutes sur une œuvre, elle ne peut manquer d'arriver à la perfection. Telle est la donnée sur laquelle Louis, Augustin et Annibal Carrache fondèrent leur enseignement à Bologne.

Les maîtres de la renaissance italienne, épris de l'antiquité dont ils s'efforçaient de suivre la tradition, se sont peu inquiétés de la nature extérieure, et c’est dans les Pays-Bas, patrie du naturalisme moderne, qu’il faut se transporter pour voir la lune reproduite comme elle se montre à nous. Van der Neer est le premier qui ait tenté de rendre des clairs de lune, et il l’a fait avec une rare perfection. Ses tableaux représentent le plus souvent des paysages marécageux, éclairés par la lune qui vient doucement argenter de ses reflets l’eau tranquille des canaux. Dans l’école française, Joseph Vernet, qui dans ses marines a reproduit le ciel sous tant d’aspects différents, est souvent d'une grande justesse dans sa représentation des clairs de lune.

Le Naufrage de la Méduse, par Géricault, fut considéré comme le signal de la révolution, et servit de drapeau aux novateurs. Après avoir terminé des études dont ses ouvrages mêmes attestent le caractère sérieux, Géricault conçut une œuvre où la recherche du beau est abandonnée et remplacée par celle du drame et de la passion.

L'école florentine compte ensuite parmi ses maîtres Jacopo della Quercia, Michelozzi, Luca della Robbia, chef d'une illustre famille d'artistes, qui découvrit le secret de vernir la sculpture en terre et d'en varier l'aspect en la coloriant comme une peinture. Cette invention n'est pas très heureuse au point de vue de la statuaire, mais elle offre à l'architecture un utile élément de décoration polychrome.

La Renaissance italienne s'était opérée simultanément par deux courants d'idées contradictoires, l'un continuant le mysticisme chrétien du moyen âge, l'autre reprenant l'histoire juste au point où l'avait laissée l'antiquité, arrêtée par la double invasion des croyances nouvelles dans la religion et des races nouvelles dans la politique. Tout le mouvement artistique se rattachait à ces deux courants d'idées. De Giotto à Michel-Ange, une suite non interrompue d'artistes font de l'expression le but de l'art, et traduisent les passions qu'ils ressentent avec la multitude : de Giotto à Titien, les efforts do l'art pour produire l'illusion de la réalité n'ont pas été moindres, et cet art, qui ne cherchait pas tant à exprimer les émotions intimes de l'âme qu'à rendre la beauté visible, avait pris pour thème principal les légendes mythologiques.

Quand Jules II arriva au pontificat, il ne voulut jamais consentir à prendre possession des appartements qu'Alexandre VI avait occupés le maître des cérémonies lui ayant proposé d'effacer de la muraille les portraits de ce pontife, Jules II répondit « Quand même les portraits seraient détruits, les murs ne suffiraient-ils pas i me rappeler la mémoire de ce simoniaque, de ce juif? » On lui proposa les chambres de l'étage supérieur, qu'ornaient les pointures de Pietro délia Francesca, Bramantino de Milan, Luca Signorelli, Bartolomeo della Gatta, Pietro Perugino et d'autres. Raphaël fut chargé de peindre la chambre de la Signature, dont le plafond avait été exécuté par le Sodoma. Les premiers travaux de Raphaël furent commencés dans cette chambre de la Signature, et quand la première fresque fut peinte, Jules II fut si transporté d'enthousiasme, qu'il ordonna d'abattre les peintures qui s'y trouvaient, afin que Raphaël fût chargé de la décoration entière.

Depuis l'antiquité jusqu'à nos jours, sans aucune interruption, Rome a possédé des peintres et des sculpteurs. Après la conquête de la Grèce par les Romains, les artistes grecs y affluèrent, et y multiplièrent leurs ouvrages ; mais parmi tant de peintures et de statues exécutées pour les maîtres du monde, un bien petit nombre appartient à des artistes romains. Rome était un centre d'attraction pour les artistes formés ailleurs, mais il n'y avait pas là, comme à Athènes, à Sicyone, à Corinthe, à Rhodes, une école d'artistes indigènes agissant d'après une série de principes déterminés.

C'est en Égypte qu'il faut chercher les plus anciens ouvrages métalliques auxquels on puisse assigner une date approximative. Il est impossible pourtant de savoir à quelle époque on a commencé à travailler les métaux, puisque, dés les plus anciennes périodes de l'histoire, on trouve en Égypte des objets en métal qui indiquent une industrie pleinement maîtresse de ses procédés.

Michel-Ange proposa d'en faire une chapelle sépulcrale qui contiendrait le mausolée. Mais Jules II sentit alors s'éveiller en lui une autre ambition, celle d'être le fondateur de la nouvelle basilique. Dès lors, il oublia le tombeau pour ne plus penser qu'à l'église. Le tombeau ne fut jamais terminé dans son ensemble ; c'est pour lui que Michel-Ange lit la statue de Moïse qui est à Rome, et les deux Captifs, qui sont au Louvre.

Accablé de travaux, Raphaël n'y pouvait suffire. Il se lit aider par ses nombreux élèves, qui non seulement ébauchèrent ses tableaux, mais même en exécutèrent complètement d'après ses dessins. Jules Romain, Francesco Penni, Polydore, Perino del Vaga, Jean d'Udine et plusieurs autres s'identifièrent avec leur maître, au point qu'il est difficile de fixer la part de chacun dans ses ouvrages. Lorsqu'après sa mort ils furent livres à eux-mêmes , on retrouva encore dans leurs propres tableaux le talent qu'ils devaient à l'excellente direction qu'ils avaient reçue, mais le souffle inspirateur n'était plus le même. Raphaël mourut le 7 avril 1520, par suite d'un refroidissement.