Hajo Düchting

Henri de Régnier a fait un portrait de Seurat, le plus ressemblant de tous selon Fénéon :

« Seurat, une âme ardente et haute était en vous…
Je me souviens. Vous étiez grave, calme et doux,
Taciturne, sachant tout ce que la parole
Gaspille de nous-mêmes en sa rumeur frivole.
Vous écoutiez sans répondre, silencieux
D’un silence voulu que démentaient vos yeux
Mais si votre art était sujet de la querelle
Un éclair animait votre regard rebelle,
Car vous aviez en vous, conçu avec lenteur,
Seurat, votre obstination de novateur
Auprès de quoi rien ne prévaut et rien n’existe
Cette obstination qui fait le grand artiste. »

Après de longues années durant lesquelles il ne fut pas estimé à sa juste valeur ou fut tout simplement oublié, nous avons réappris à ne pas considérer l’œuvre de Seurat comme l’héritage d’un esthète cérébral qui n’a pas obtenu tout ce qu’il désirait, mais comme une contribution capitale au traitement de la peinture en tant que « science picturale » que le XXe siècle a su faire fructifier de différentes manières (dans la peinture analytique, radicale ou essentielle par exemple).

Il y a toujours dans un tableau un point lumineux, mais il doit être unique. Vous pouvez le placer où vous voudrez : dans un nuage, dans la réflexion de l’eau ou dans un bonnet ; mais il ne doit y avoir qu’un seul ton de cette valeur.

Lorsque Millet exposa son célèbre tableau Les Glaneuses au Salon de 1857, il déclencha un véritable tollé de la part des critiques et du public. On y voyait un affront, un doigt accusateur sur la misère du prolétariat des campagnes, une interprétation exagérée de sa condition.

Blanc expliquait le principe du mélange optique en prenant comme exemple le plafond de la bibliothèque au Palais du Luxembourg, peinte par Delacroix de 1845 à 1847. Selon lui, les merveilleux mélanges de couleurs résultaient du fait que Delacroix avait appliqué de petites touches complémentaires sans les mélanger. Stimulé par cette réflexion, Seurat analysa lui-même neuf tableaux et esquisses de Delacroix et recopia les passages importants de la monographie sur le Delacroix d’Achille Piron, parue en 1965. Il ne fait aucun doute que Seurat a étudié la technique des hachures sur les décorations murales de Delacroix dans l’église parisienne de Saint-Sulpice pour la développer dans sa peinture. Ainsi Seurat trouva-t-il dans la « Grammaire » de Charles Blanc une première confirmation que l’art était fondé sur des lois objectives.

Désormais, l'art n'était plus a ses yeux un moyen d'échapper  aux incertitudes et dissensions insupportables mais bien la seule et unique voie susceptible  d'ouvrir de nouvelles perspective dans ce monde rempli de contradictions et d'absurdités.

Le langage du secret par le secret. N'est ce pas la substance? N'est ce pas le but conscient ou inconscient de l'impulsion créatrice  qui nous domine? (...) L'homme parle à l'homme du surhumain - le langage de l'art.

Kandinski voyait Moscou comme dans un rêve qui le hantera des années durant. Elle représentait pour lui l'une de ses premières sources d'inspirations, une nostalgie intériorisée de la patrie et de la chaleur familiale.

Une composition se doit en effet de représenter des éléments multiples: l'ensemble des aspects temporels et spirituels de la vie en Russie, passé, présente, aspects qui touchent à la mort, à la foi en la résurrection tout au temps qu'aux luttes d'ordre intellectuel et aux petites joies du quotidien.

A Paris un instinct ludique irrationnel, une veine humoristique et un langage de signes proche du surréalisme, font éclater la façade des lois formalisées de la création derrière laquelle bouillonnait encore le tempérament de Kandinsky, sa veine "romantico mystique".

petit a petit il avait fait la conquête d'un nouveau concept de la peinture. il avait éliminé avec prudence les réminiscences figuratives de ses compositions et en avait seulement transféré les contenus antérieurs sur des créations évocatrices de formes et de couleurs.

Désormais, l'art n'était plus a ses yeux un moyen d'échapper aux incertitudes et dissensions insupportables mais bien la seule et unique voie susceptible d'ouvrir de nouvelles perspective dans ce monde rempli de contradictions et d'absurdités.

A partir de 1909, Kandinsky avait classé ses œuvres en trois groupes, en "impressions, qui s'appuient encore sur un modèle naturaliste, en "improvisations" qui traduisent les mouvements spontanés de l âme , et en "composition", le niveau le plus élevé et le plus compliqué qu'il n'est possible d'atteindre qu’après une préparation lente et difficile.

Désormais, l'art n'était plus a ses yeux un moyen d'échapper aux incertitudes et dissensions insupportables mais bien la seule et unique voie susceptible d'ouvrir de nouvelles perspective dans ce monde rempli de contradictions et d'absurdités.

Le langage du secret par le secret. N'est ce pas la substance? N'est ce pas le but conscient ou inconscient de l'impulsion créatrice qui nous domine? (...) L'homme parle à l'homme du surhumain - le langage de l'art.

petit a petit il avait fait la conquête d'un nouveau concept de la peinture. il avait éliminé avec prudence les réminiscences figuratives de ses compositions et en avait seulement transféré les contenus antérieurs sur des créations évocatrices de formes et de couleurs.

Kandinsky fut sur de son "monde intérieur"jusqu'à là fin de ses jours, un monde d'images ou l'abstraction ne devait pas être un but en soi et son langage formel autre chose qu'"mort né"mais au contraire naitre de la volonté de créer un contenu vivant.

Les œuvres de Kandinsky de cette période (paris) ne donne ainsi pas l'impression d’être épurées par la sagesse de l'age, ni marquées par un romantisme froid mais sont plutôt passionnées, bouillonnantes, naturelles, comme si un soleil lointain voulait redonner vie a une flaque au moyen de protoplasme.

A Paris un instinct ludique irrationnel, une veine humoristique et un langage de signes proche du surréalisme, font éclater la façade des lois formalisées de la création derrière laquelle bouillonnait encore le tempérament de Kandinsky, sa veine "romantico mystique".

A partir de 1909, Kandinsky avait classé ses œuvres en trois groupes, en "impressions, qui s'appuient encore sur un modèle naturaliste, en "improvisations" qui traduisent les mouvements spontanés de l âme , et en "composition", le niveau le plus élevé et le plus compliqué qu'il n'est possible d'atteindre qu’après une préparation lente et difficile.