Thomas Köster

Avec ses portraits criants de réalisme et ses images de madones flamboyantes, le peintre hollandais Jan Van Eyck parvint à une maîtrise parfaite de la peinture à huile, une technique presque inconnue jusqu'alors, et fut ainsi pendant longtemps considéré comme son inventeur. Avec son frère Hubert, il créa le célèbre Retable de l'Autel de Gand.

Une technique de peinture à l'huile lumineuse :
Lorsque Van Eyck peignit La Vierge et son enfant, son pinceau fît avant tout ressortir sa pureté et sa beauté. Ses représentations de Marie vêtue des atours les plus somptueux, étaient accrochées, sérieuses et délicieuses, aux murs des églises gothiques, ou étaient exposées, éclairées par les seuls rayons du soleil, dans des pièces richement décorées. Personne avant lui n'avait su utiliser la couleur avec une telle maestria.
Auparavant, les artistes utilisaient essentiellement des couleurs ternes temperas qui ne parvenaient pas à capturer la légèreté d'un voile transparent ou le lustre velouté des tissus luxueux. Van Eyck utilisait quant à lui la peinture à l'huile, une technique encore nouvelle qu'il maîtrisait parfaitement. Cela lui permettait de créer des transitions et des dégradés subtils, d'apporter un éclat réaliste aux visages qu'il peignait, de conférer une impression de poids aux matières et de rendre les autres textures brillantes de transparence.

(peintre, Jan Van Eyck : vers 1390 - 1441)

Le Cubisme
Depuis la Renaissance, les artistes avaient essayé de créer l'illusion de la profondeur dans leurs toiles grâce à la perspective centrale. Picasso et Braque décidèrent de rompre avec cette technique. Ils accentuaient volontairement le côté bidimensionnel de leurs tableaux, et décomposaient simplement en cercles plats, triangles et carrés les visages, les instruments de musiques, les pichets et l'architecture. Le mouvement tira d'ailleurs son nom de certaines de ces formes, il devint donc le Cubisme. Paul Cézanne avait déjà eu une démarche similaire, mais ces jeunes artistes étaient plus radicaux encore. Le début de cette période est appelé Cubisme analytique. Plus tard le Cubisme synthétique, qui recomposait les formes géométrique, qui recomposait les formes géométriques sous forme de collage, fit son apparition. Parmi les autres artistes cubistes, on peut citer Robert Delaunay, Juan Gris, Fernand Léger et Marcel Duchamp.

On trouve également beaucoup de meurtres et d'homicides dans les tableaux du Caravage. Il avait une prédilection pour les scènes bibliques dans lesquelles la tension était palpable. Pour rendre ses tableaux d'autant plus dramatiques, il éclairait violemment ses protagonistes et les plaçait sur un fond presque noir. Alors que les éléments importants semblent se trouver sous la lumière d'un spot, les détails plus insignifiants se perdent dans l'ombre.
La technique du clair-obscur devint bientôt si célèbre que de nombreux artistes copièrent les tableaux du Caravage. D'autres encore, comme le peintre hollandais Rembrandt, reprirent l'idée du clair-obscur et développèrent leur propre style. Ainsi, le brutal Caravage et ses peintures magnifiques avaient su orienter l'art dans une toute nouvelle direction.

Le Fauvisme
Henri Matisse, André Derain et Maurice de Vlaminck exposèrent leurs peintures à Paris en 1905. Certains visiteurs de l'exposition trouvèrent de bien mauvais goût leurs tableaux éclatants aux couleurs criardes et aux formes simplifiées. Un visiteur avait même dit d'eux qu'ils peignaient comme des animaux sauvages, comme des -fauves- Ainsi donc, il avait sans le vouloir donné son nom à ce nouveau style : le Fauvisme. Parmi les Fauvistes français, on compte également Georges Rouault ou Georges Braque, qui devait plus tard inventer le Cubisme avec Picasso.

Le peintre, sculpteur et architecte Giotto Di Bondone était un grand raconteur d'histoires. Il usait d'effets théâtraux et de personnages peints de manières réaliste pour illustrer des récits de la Bible. Il modernisa la technique de la fresque, une forme artistique pourtant connu depuis l'Antiquité, et impressionna les premiers artistes de la Renaissance italienne par sa convaincante représentation de la profondeur de l'espace.

La technique de la fresque selon Giotto.
Pour les fresques, la peinture est appliquée directement sur un mortier encore frais. Ce mortier est fait de chaux, de sable et de poussière de marbre. Cimabue avait l'habitude de demander à ses assistants d'enduire toute la zone qui pouvait être atteinte depuis l'échafaudage sur lequel il se tenait pour peindre. S'il ne finissait pas de peindre la totalité de la zone qui avait été préparée en une seule journée, il continuait le jour suivant sur le mortier sec, mais la peinture ne prenait pas aussi bien. Giotto, quant à lui, n'enduisait que ce qu'il savait pouvoir peindre en un jour. C'est pourquoi les fresques de Giotto ont survécu à ce jour dans un tel état de conservation.

Les fresques de Giotto acquirent bientôt une telle réputation par delà même les murs de Florence, que le peintre eut rapidement besoin de ses propres assistants afin de pouvoir répondre à la demande. Les riches marchands et les banquiers n'étaient pas les seuls à lui passer commande : le Pape lui-même et le Roi de Naples en faisaient tout autant. Giotto réalisa le plafond et les murs de l'église des moines Franciscains d'Assise.

Le riche et ambitieux Enrico Scrovegni fit venir Giotto à Padoue afin que celui-ci décore sa chapelle privée de quarante fresques magnifiques. Cette série aux couleur vives retrace la vie de Jésus, de Marie et d'autres saints, en la présentant comme une histoire en images, facile à suivre et à comprendre -- même pour ceux qui ne savaient pas lire. Les attitudes et les expressions montrent la colère, le deuil, la déception, mais aussi le bonheur et la foi dans le pouvoir souverain de Dieu. Les fresques de Scrovegni firent du petit berger Giotto l'artiste le plus important d'Europe à cette époque.

(peintre, Giotto Di Bondone : 1267-1337)

Le foyer de Jan Vermeer était probablement plutôt bruyant. Il avait quinze enfants hurlants et remuants et se querellait fréquemment avec sa sévère belle-mère, qui vivait avec le reste de la famille dans leur spacieuse demeure. La seconde profession de Vermeer ne lui apportait pas non plus beaucoup de tranquillité. Il était tenancier d'une auberge (...).
A cette époque, peinture et boisson s'intégraient très bien au mode de vie des Pays-Bas.

Contrairement aux œuvres tumultueuses de ses collègues, les tableaux de genre méticuleusement échafaudés de Vermeer donnent une confortable impression de calme. (...) Le peintre aurait-il parfois souhaité secrètement que son auberge bruyante ressemblât davantage à ses peintures ?

Durant son voyage en France et en Italie, Bruegel avait vu des collines et des montagnes qu'il avait plus tard intégrées à ses toiles, les associant aux prairies et aux pâturages de son plat pays afin de créer des paysages imaginaires qui n'appartenaient qu'à lui, et qui fourmillaient de personnages. Pour cette raison, il apparaissait à Carvel Van Mander que, durant ses voyages, Bruegel -avait avalé toutes les montagnes et les rochers et les avait recrachés sur la toile, aussi naturellement qu'il l'avait pu-

Raphaël avait un don certain pour assimiler les techniques artistiques d'autres peintres. Il reprit l'idée des compositions de Léonard qui consistait à arranger les figures d'un tableau en triangle. Il avait appris à utiliser les couleurs avec délicatesse à la façon du Titien. Et lorsqu'il se rendit à Rome, on raconte qu'un ami lui avait ouvert la porte de la Chapelle Sixtine derrière laquelle Michel-Ange réalisait ses fresques en secret, afin que Raphaël puisse émerveiller les gens par ses figures -à la Michel-Ange- avant même que la Chapelle ne soit officiellement ouverte.
Raphaël surpassait la plupart de ses modèles par sa polyvalence, sa perfection et son raffinement.

Jugendstil
Le Jugendstil était un mouvement artistique né vers 1900 et qui enthousiasma architectes, peintres et sculpteurs, mais aussi ébénistes, artisans verriers et bijoutiers. Il fallait rompre avec la vision poussiéreuse et soporifique des académies, tout repenser, tout moderniser, être plus imaginatif, être, en un mot, vivant. Le mouvement prit le nom de Sécession à Vienne, tandis qu'à Paris, la ville où il avait vu le jour, il était appelé Art nouveau. Parmi les protagonistes majeurs de ce mouvement qui s'étendit à l'Europe tout entière, on compte des artistes tels qu'Aubrey Beardsley en Angleterre, Antoni Gaudi en Espagne, Henry Van De Velde en Belgique et Franz Von Stuck en Allemagne.

Le pointillisme
Le Pointillisme, développée par Seurat, est semblable à une image composée de milliers de pixels sur un écran de télévision ou d'ordinateur. Cette technique est faite d'innombrables points de couleur, laborieusement appliqués les uns après les autres sur la toile. Le cerveau balaye alors inconsciemment l'ensemble des surfaces recouvertes par ces minuscules points et les assemble pour former des zones de couleurs et de motifs ayant un sens. L'ami de Seurat, Paul Signac, se voua lui aussi entièrement à cette technique. Mais le Pointillisme reste un procédé relativement rigide, ce qui explique que qu'il n'ait pas été développée plus avant.

L'impressionnisme
Les Impressionnistes aimaient la lumière. Lorsqu'il faisait beau, ils sortaient pour y capturer -au grand air, dans les squares, aux courses ou dans les parcs- les nuances de la lumière du soleil au travers des feuilles, la brume sur la Seine ou la vapeur d'une locomotive. Ils voulaient capturer l'impression fugace de la lumière à certaines heures du jour. Ils appliquaient la peinture à même la toile, avec des coups de pinceau rapides, sans définir de contours. Lorsqu'on s'approche pour les regarder, ces tableaux semblent n'être que points et lignes. Ce n'est qu'à une certaine distance qu'une image fantastique émerge de ces formes.
L'Impressionnisme s'étala sur une période allant de 1860 à 1880. Parmi les protagonistes de ce mouvement, on trouvait Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley et Edouard Manet, Max Liebermann, Max Slevogt et Lovis Corinth. Le nom même du mouvement était tiré du titre de l'une des oeuvres les plus marquantes de Monet, -Impression soleil levant- dans laquelle l'artiste avait su capturer la brume du matin sur le port du Havre.

Le Réalisme
Les peintres réalistes tentaient de représenter la réalité de la manière la plus juste possible. On peut trouver d'autres tendances réalistes dans la peinture depuis l'Antiquité, mais le Réalisme en tant que mouvement pictural ne prit réellement forme qu'à partir de la célèbre exposition de Courbet en 1855, intitulée Le Réalisme. Aux côtés de Courbet, les réalistes les plus célèbres sont le peintre et caricaturiste Honoré Daumier, Adolf Menzel, le peintre allemand Wilhelm Leibl et Jean-François Millet, dont le tableau -Les glaneuses- devint célèbre dans le monde entier. Millet était un élève de l'école de Barbizon qui avait vu le jour au moment de la révolution de 1848. Ces peintres concentrèrent de plus en plus leurs travaux sur la nature et se consacrèrent à la peinture en plein-air à grande échelle, dans les bois près de Paris.
Ils comptaient également parmi leur rang Jean Baptiste Camille Corot, connu pour ses paysages poétiques.

Le Romantisme
Les peintres, poètes et musiciens romantiques étaient des gens passionnés. Ils étaient bouleversés par l'étendue infinie de la Nature. Elle les enthousiasmait, et ils désiraient faire partager cet enthousiasme au monde. A l'époque, les tableaux de paysages de montagnes sous le vent, de forêts embrumées, de tombes au clair de lune ou de ruines d'églises -romantiques- étaient à la mode partout en Europe.
Mais l'imagination de ces artistes était aussi stimulée par les contes de fées, les châteaux et les chevaliers et les légendes de l'Orient mystérieux. Le romantisme s'étendit de 1790 à 1830. Ses représentants les plus célèbres étaient les artistes français Théodore Géricault et Eugène Delacroix, les Anglais William Turner et Henri Fuseli, et en Allemagne Philipp Otto Runge un ami de Friedrich.

Classicisme
Les héros de la Révolution se voyaient comme les nouveaux Grecs et Romains. Cette attitude se retrouve dans l'expression artistique de la fin du XVIIIe siècle. Les peintres de l'époque, en particulier Jacques-Louis David et son élève Jean-Auguste-Dominique Ingres, faisaient tout pour l'éloigner de l'insouciance de la période rococo et des peintures pompeuses de la fin de l'époque baroque.
Ils admiraient les formes simples des Grecs et des Romains de l'Antiquité, ainsi que leur approche sobre et lucide des lignes et des couleurs.
De nombreux philosophes et hommes de lettres se sont retournés sur ce passé lointain pour y voir un âge d'or dans lequel ordre, justice et moralité étaient les valeurs dominantes.

Rococo
Le mot -rocaille- évoque grottes et coquillages, et c'est de ce mot que le terme rococo est dérivé. Effectivement, les tableaux de peintres rococo célèbres comme Antoine Watteau, François Boucher, Jean-Honoré Fragonard et Gabriel Germain Boffrant ont ces caractéristiques de complexité et de détails décoratifs raffinés. Ils utilisaient cette nouvelle manière d'appréhender la peinture pour tracer une ligne entre eux et la monumentale impression d'émotion que les artistes baroques aimaient tant. Le style rococo naquit en France pour se répandre dans d'autres pays d'Europe. Il devint particulièrement populaire en Allemagne et en Autriche, où il contribua à la disparition progressive du style baroque. La fin de l'absolutisme pendant la Révolution sonnera le glas du mouvement rococo laissant la place au classicisme.

La période baroque
Les couleurs brutales, les formes asymétriques et le manque d'émotion du Maniérisme n'avaient plus les faveurs de bien des peintres de la fin du XVIe siècle. Ils désiraient revenir à des formes plus claires et plus simples et appréciaient également les effets théâtraux et les mouvements dynamiques. Caravage et Annibale Carracci avaient été les pionniers de cette nouvelle approche de la peinture. L'artiste flamand Pierre Paul Rubens était un grand admirateur de ces deux peintres, et après ses voyages en Italie, il était devenu le plus célèbre peintre baroque du Nord des Alpes, jusqu'à ce que le peintre hollandais Rembrandt ne vienne lui faire de l'ombre. La peinture anglaise baroque a été largement influencée par Rubens et son élève Anthony Van Dyck. On pense que le mot -baroque- vient du portugais -barucca- qui veut dire -perle à la forme irrégulière-
Ce style artistique se poursuit jusqu'au milieu du XVIIIe siècle, bien que sa phase finale, avec ses formes particulièrement ludiques et complexes, se soit appelée période rococo.

L'Assomption du Titien lui valut de devenir du jour au lendemain le peintre le plus demandé de la riche Venise. Ses portraits étaient tout particulièrement appréciés. Dans ce domaine également, le magicien des couleurs avait inventé sa propre technique : il commençait par peindre les visages tels qu'il les voyait, puis il leur appliquait un voile de tons plus doux, sous lequel les nez crochus, les rides profondes et les cernes marqués disparaissaient comme par magie. A la lumière flatteuse de cette cure de beauté, les clients satisfaits semblaient plus dignes, plus jeunes et plus beaux, tout en se ressemblant malgré tout.
Le Pape Paul III s'était tellement entiché de la luminosité sensuelle de ses tableaux que l'artiste dut peindre à Rome la famille papale tout entière, -y compris les chats- Le rival du Titien, Michel Ange, était très jaloux de cette faveur accordée par le Pape, et l'on raconte qu'il fut absolument ravi lorsque le Titien quitta Rome.

La Haute Renaissance
La Première Renaissance débuta à Florence, mais Rome fut l'épicentre de la Haute Renaissance au début du XVIe siècle. Les papes du Vatican en particulier y firent venir de nombreux artistes. La construction de Saint-Pierre fut le projet le plus important de l'époque. L'art avait pour but de représenter l'harmonie divine dans la composition parfaite des bâtiments, des sculptures et des peintures, dans la beauté des visages et des corps gracieusement ciselés. Les peintres, sculpteurs et architectes importants de la Haute Renaissance en plus de Michel-Ange -- étaient Léonard de Vinci, Giorgione, Raphaël, le Corrège et le Titien. La Haute Renaissance prit fin lors du sac de Rome par les troupes de l'Empereur Charles V le 6 mai 1522.