Connaissance des arts

Les années que passent Chagall en Russie, de 1914 à 1922, sont d'une densité exceptionnelle. Commissaire aux Beaux-Arts de Vitebsk et directeur de l'école d'art qu'il a fondée, il vit avec ses compagnons dans l'exaltation des idéaux révolutionnaires. A Petrograd et à Moscou ensuite, il œuvre pour des théâtres en donnant libre cours à une verve fantaisiste et enjouée.

Pour éduquer à l'art les élèves de la jeune école comme les citoyens de Vitebsk, Chagall a le projet d'ouvrir un musée, dont la collection couvrirait l'histoire de l'art russe, des peintres traditionnels aux tendances les plus récentes.

Le mouvement, au XIXe siècle, c'est le déplacement des corps dans l'espace mais aussi les dernières grandes explorations, l'évolution des espèces, Darwin autant que Bergson, le ballet des cellules et les aventures de la psyché. Degas et Valéry sont pleinement de leur temps, quand bascule le siècle : à la fois admirateurs d'Ingres et de Delacroix et attentifs à la transformation globale du monde. Degas Danse Dessin est une sorte de palimpseste qui se redéfinit sans cesse, une oeuvre en perpétuel mouvement. Le cinéma invente vingt-quatre images par seconde, Valéry et Degas nous livrent quasiment, au fil des pages et du récit, vingt-quatre dessins par seconde. En définitive, cette exposition peut être vue comme un "rush" de ce grand film que livre le siècle.

Marine Kiesel, p. 10



Degas par Valéry, propos recueillis par Valérie Bougault.

La vie a pris l’allure d’un poème de Paul Eluard, « tout a la couleur de l’aurore », et le destin s’amuse à ramener sur ces terres Pablo Picasso, l’artiste que me monde entier envie à la France.

Visitant en 1946 avec Françoise Gilot, l’exposition annuelle des potiers de Vallauris, il s’arrête sur le stand de Suzanne et Georges Ramié. On lui tend, par tradition, comme à tout nouveau venu, une boule de terre souple. Il modèle un petit faune et deux taureaux…..

Aujourd’hui, à 70 ans, elle affirme vouloir faire émerger un Gesamt-kunstwerk, une œuvre d’art totale. Dans son atelier blanc méticuleusement rangé de la Moontower Foundation, elle met la dernière main, avec l’aide d’un assistant, à une sculpture motorisée : Between the Knives the emptiness (Entre les couteaux, le vide), qui donne son nom à une exposition à la galerie Lelong à Paris. L’œuvre, constituée de trois couteaux et d’un gros pinceau japonais, fait référence à la notion bouddhiste de vacuité, « le degré le plus élevé de l’énergie » selon Rebecca Horn. Le concept d’énergie est essentiel dans l’œuvre de l’artiste. En 2002, elle avait transformé la piazza del Plebiscito à Naples en un espace traversé par l’énergie magnétique, en plaçant en hauteur des anneaux lumineux exactement au-dessus de crânes en fonte enchâssés dans les pavés, sur le modèle de ceux que l’on trouve dans les catacombes de la ville (Spiriti di Madreperla). « Ainsi, l’énergie négative des crânes s’élève vers la lumière et la mort devient un apaisement », pense-t-elle.



(!! ?)

Dans les années 1930, Fautrier renonce au visage et à la représentation de l'être humain : les sujets deviennent des objets. A travers cette nouvelle thématique, l'artiste met en oeuvre le style qui sera baptisé informel, créant des images-reliefs obtenues à partir d'empâtements et de couches de couleur pétries et labourées. Ce malaxage de la matière donnera lieu à la série des Otages, qui va asseoir définitivement la renommée de Fautrier, consacrée par les écrits d'André Malraux, de Jean Paulhan ou de Francis Ponge. L'histoire est connue : en 1943, inquiété par la Gestapo, le peintre doit fuir Paris et trouve refuge à Chatenay-Malabry, en banlieue parisienne. Marqué par l'Occupation nazie et par les exactions - certaines exécutions de prisonniers, amenés par camion, se déroulent dans un bois tout proche de sa maison -, le peintre, comme d'autres artistes qui ont vécu le traumatisme de la Seconde Guerre Mondiale, cherche à inventer une nouvelle figure humaine. Face à ce que l'écrivain britannique Henry James appelle "l'imaginaire du désastre", Fautrier réalise des corps sans tête, des têtes sans corps. Exécutées de 1943 à 1945, moment de leur exposition à la Galerie Drouin, elles sont la réaction la plus immédiate aux récentes horreurs, à la violence de l'Histoire. Plusieurs tableaux de cette série se nomment Tête d'otages, cette partie du corps qui englobe face et boîte crânienne. La matière de ces petits empâtements plus ou moins blancs aux contours anthropomorphes évoque autant le bas-relief que la peinture. (p. 36)



Itzhak Goldberg - Portraits, visages, têtes

Que serait à notre époque un art de l’oubli ? Il aurait pour lueur les empreintes qui finissent par être recouvertes le long des ruines, après les incendies : recueil de silhouettes que ces traces laissées par la flamme, anthologie de mémoires entassées, ou bien infinitude de visages de ce qui continue de croître avec pour seuls guides les reflets et les affres. Il serait intéressant de savoir ce que serait une rhétorique de l’éloignement, une symphonie de notes délébiles, qui s’effaceraient à mesure que le geste les exécuterait.

Aucune forme d'art ne peut donner d'émotion s'il ne s'y mêle une part de réel. Si infime qu'elle soit, si impalpable, cette allusion, cette parcelle irréductible est comme la clef de l'oeuvre. Elle la rend lisible ; elle en éclaire le sens, elle ouvre sa réalité profonde, essentielle, à la sensibilité qui est l'intelligence véritable. Jean Fautrier



Maria Magdalena Chansel - Le nu féminin, p. 40

Ce chamanisme mercantile consiste d’abord à aligner l’économie du livre sur celle de l’art, puis à indexer le marché de l’art sur celui du luxe.

Tamara de Lempicka, l’artiste fatale.



Mystère, exil, amour, tourment, quels mots employer pour une telle dame qui s’éprend à Florence de Botticelli et apprend à Montparnasse auprès d’André Lhote le « cubisme doux » ? Peignant les princes et les stars mais aussi des pauvres et des émigrés, « garçonne » qui ne compte ni ses amants ni ses amies, Tamara de Lempicka est un diamant à facette scintillantes mais avec des éclipses. Elle mit son talent au service d’une esthétique raffinée, tantôt axée à l’horizontale autour d’un divan, tantôt cadrée à la verticale par des gratte-ciels.

…

Si les portraits aux modelés géométriques, aux couleurs nettes et glacées peints durant les années dites folles lui assurent sa célébrité, ceux qu’elle signe en revanche après la seconde guerre n’offrent plus les mêmes reliefs provocateurs.

Entre Varsovie, Paris, Hollywood et Cuernavaca où elle meurt en 1980, la « diva de l’Art Déco » a promené sa silhouette élégante, sa modernité romantique, son désir de « mener l’assaut sur les conventions humaines ».