Dossier de l`art

Si Hosukai a écrit l'une des plus grandes pages de l'histoire de l'estampe, les peintures qui nous sont parvenues révèlent une liberté admirable qui culmine dans sa dernière période de création. A près de 80 ans, l'artiste s'adonne enfin pleinement à l'exercice du pinceau et livre l'une de ses plus émouvantes leçons.

Dessinateur, sculpteur et peintre, Jean-Baptiste Carpeaux est sans doute l'un des artistes les plus virtuoses du XIXe siècle. Sa science de l'anatomie et du mouvement caractérise son style, hérité du romantisme de ses maîtres remanié selon le goût néobaroque du Second Empire. Son génie s'exprime dans ses qualités de modeleur, son sens des formes et la rare homogénéité de son répertoire.

Carpeaux est un pivot dans l'histoire de la sculpture française. Il arrive à un moment où le paysage est très éparpillé, marqué par les derniers moments de ce qu'on peut appeler le "deuxième romantisme". La leçon de Rude et des sculpteurs romantiques des années 1830-1840 a été reçue, et ce sont ces sculpteurs qui enseignent au sein de leurs ateliers. Carpeaux est l'élève de Rude puis de Duret ; il appartient clairement à cette génération qui a parfaitement assimilé la leçon du romantisme.

Peintre religieux par excellence, Guy François a pratiqué un caravagisme atténué par le filtre saracénien et vraisemblablement aussi par celui de l'art bolonais à travers Guido Reni. Armé d'un solide métier, il peint de grandes scènes religieuses destinées à orner les retables aménagés dans les églises et sa clientèle est avant tout celle des jésuites, chartreux, carmes, franciscains et les autres ordres religieux créés dans la première moitié du XVIIe siècle.

Les vrais caravagesques, les plus purs si l'on peut dire, sont d'abord des manfrédiens : c'est-à-dire des artistes marqués par la Manfrediana méthodus, ce procédé qu'avait si bien exploité Bartolomeo Manfredi, un des plus fidèles imitateurs de Caravage, consistant à cadrer à mi-corps des figures dans une composition en largeur, qu'il s'agisse de scènes de cabaret ou de thèmes religieux.

Nicolas Tournier est l'un des Caravagesques français les moins connus, bien que des oeuvres comme le Christ en croix du Louvre ou le Christ descendu de la croix du musée des Augustins de Toulouse soient justement admirées.

Aborder le védutisme vénitien, c'est comme ouvrir une boîte de Pandore d'où surgiraient d'innombrables thèmes de visites, comme celles qu'ont faites les peintres aux XIXe et XXe siècles de la cité lacustre, pour en consacrer eux aussi les lieux les plus magiques ; c'est aussi une formidable incitation à aller pousser les portes de ces multiples églises Renaissance, baroques ou rococo, sans lesquelles le paysage vénitien ne serait pas ce qu'il est ; c'est encore s'intéresser à d'autres écoles de védutisme en Italie dont le védutisme napolitain.

Venu du milieu des décors de théâtre, Michele Marieschi connut une courte et fulgurante carrière au moment où le succès commercial de Canaletto commençait à s'essouffler. Sa production prolifique et inventive, tant dans le genre des vedute que celui des caprices, fut pourtant occultée par celle de Canaletto, ou confondue avec cette dernière. Aujourd'hui redécouvert et réhabilité, Marieschi a repris sa place sur la scène vénitienne du védutisme, caractérisée par son sens de la théâtralité et des perspectives spectaculaires.

L'oeuvre de Canaletto fut fameux surtout grâce à ses vues de la place Saint-Marc et du Grand Canal, c'est-à-dire de ce qui déjà à cette époque était la Venise touristique.

La majorité des amateurs d'art croient toujours que Velasquez, Murillo et Goya ont été les peintres espagnols les plus réputés en France, mais on oublie ou on ignore que sur les cinquante tableaux ennvoyés au musée Napoléon au Louvre, en 1813, Zurbaran figurait avec quatre chefs-d'oeuvre.

" La manière d'étaler la couleur, les effets dramatiques et l'emploi de la lumière rappellent le Baroque mais par son esprit , l' œuvre de Goya appartient tout entière au XIXe siècle. Non seulement ses thèmes sont audacieux , inédits, mais certains aspects de sa technique picturale le sont tout autant. On en voit la preuve dans les peintures monochromes, fantastiques dont il s'entoure vers la fin de sa vie, et encore dans son œuvre célèbre, "le 3 mai 1808", où les condamnés tombent sous le feu du peloton d'exécution, non plus au nom d'une justice divine, mais au nom de la liberté..."

Goya passe un tiers de son existence à la Cour, de ses débuts en 1776 comme fournisseur, au faîte de sa gloire en 1800, quand il est nommé premier peintre de la Chambre du roi. C'est là qu'il livre ses premiers chefs-d'oeuvre, reflets d'une Espagne insouciante et heureuse, c'est là aussi qu'il fait le terrible apprentissage de la clairvoyance pour porter un regard sans concession sur ses contemporains.

Plongeant ses racines en Aragon, le génie de Goya s'est affirmé avec une même autorité et de façon parallèle dans les portraits de cour et commandes publiques et dans un oeuvre obscur, plus intime, à mi-chemin du cri de révolte et du cauchemar. S'il a gravi les plus hauts échelons de la carrière officielle en peignant les grands, il a donné une place de choix au peuple et aux héros anonymes, conférant à la peinture de l'histoire la force d'un témoignage et faisant de la gravure le lieu de visions troublantes, féroces et poétiques.

La légèreté profonde du XVIIIe siècle, la grave et frivole comédie des hommes mise en scène par Marivaux et Beaumarchais, ont trouvé dans la scène de genre un autre théâtre, que l'on aime à redécouvrir aujourd'hui.

Sa virtuosité tient en partie à une grande habileté dans les phases préparatoires, et à une manière d'appréhender la composition finale avec assurance.

Remarqué par un Pierre le Grand soucieux de s'entourer des meilleurs artistes, auteur de portraits remarqués du tsar et de la tsarine Catherine, Nattier su plaire à une importante clientèle étrangère, personnages importants ou amateurs de passage. Pour elle, il réalisa quelques-unes de ses plus belles compositions, contribuant dans les cours étrangères au rayonnement de l'art français.

A l'opposé de Vouet et de son école, par son esthétique, Philippe de Champaigne, dont les liens bien connus avec Port-Royal feraient le moins "décoratif" des artistes de l'époque, est l'un des rares peintres parisiens du temps qui ait régulièrement représenté des objets, et même des intérieurs complets avec des objets souvent proches de ceux de son époque.

L'ornementation des montres connut, sous le règne de Louis XIII, une riche période de créativité technique et décorative. Cherchant à satisfaire une clientèle raffinée et exigeante, les émailleurs perfectionnèrent ou inventèrent des procédés qui permirent la réalisation de décors inédits et variés. Fruit d'une étroite collaboration entre horlogers et émailleurs, cette production témoigne bien du faste de l'époque.

Pratiqué pour l'essentiel comme un exercice de jeunesse, l'autoportrait parait chez Hopper dégagé de toute posture ou revendication, contribuant moins que la photographie à la construction de son personnage. On y perçoit une retenue assez radicale, étonnant contrepoint à l'autodérision qu'il déploie volontiers dans la caricature.

Pour apprécier toute la valeur de l'art de Constable, il faut connaître son époque, une époque de mutations marquée par les prémices de la révolution industrielle et les changements politiques. Le visage de l'Angleterre traditionnelle et rurale, dont les paysages du Suffolk peints avec passion par l'artiste nous livrent le souvenir intact, va se trouver à jamais modifié.