Réunion des Musées nationaux

Il est des individus qui marquent leur temps.
Comme on dit "le siècle de Périclès", on pourrait parler du "siècle de Picasso".
Une vie exceptionnellement longue, qui l'a fait naître vingt ans avant la fin du XIXe siècle - auquel il appartient déjà comme artiste - lui a permis de parcourir près des trois quarts du XXe siècle : lorsqu'il meurt, à quatre-vingt-onze ans, il a derrière lui pas loin de quatre vingts années de vie de peintre.
(page 11)

Catalogue de l'exposition présentée au Musée du Luxembourg, Paris, du 2 mars au 10 juillet 2022. Ce livre richement illustré documente la production artistique des femmes artistes des années 1920-1930 à Paris et montre le rôle des femmes dans le développement des avant-gardes artistiques. Oeuvres de Tamara de Lempicka ; Jacqueline Marval ; Suzanne Valadon ; Sophie Taeuber-Arp ; Germaine de Roton ; Sarah Lipska ; Alice Halicka ; Juliette Roche ; Marcelle Cahn ; Marie Vassilieff ; Maria Blanchard ; Marie Laurencin ; Emilie Charmy ; Alice Bailly ; Gisèle Freund ; Sonia Delaunay ; Germaine Dulac ; Marlow Moss ; Chana Orloff ; Gerda Wegener ; Chana Orloff, Hannah Höch... Sommaire : Comment les avant-gardes se conjuguent au féminin (par Camille Morineau et Lucia Pesapane) ; Pionnières de la diversité ; Les artistes venues de l'Est ; Le Paris des Annes folles : un espace de liberté pour les femmes (par Emmanuelle Retaillaud) ; Les garçonnes (par Camille Morineau et Lucia Pesapane) ; Portraits singuliers de la Modernité : regards croisés des "lesbiennes" des années 1920 (par Catherine Gonnard) ; L'artiste femme en amazone (par Paula J. Birnbaum) : Les nus et autoportraits nus des pionnières du XXe siècle (par Lauren Jimerson) ; chronologie 1918-1931.

Le militantisme artistique de Faith Ringgold

Je ne fais pas partie de ces groupes qui profitent d'être en pleine lumière, aux avant- postes.
Je ne suis pas un homme et je ne suis pas blanche.
Je peux donc faire ce que je veux, et cela, ça a été mon plus grand cadeau.


p.43

Massimiliano Gioni -- Conversation avec Faith Ringgold


F.R. Avec " The French Collection", je voulais montrer qu'il y avait des Noirs à l'époque de Picasso, de Monet et de Matisse, montrer que l'art africain et les Noirs avaient leur place dans cette histoire.

M.G. Les quilts sont polyphoniques presque presque par nature : le lien entre cet art et celui du récit est profond, et remonte à plusieurs siècles.

F.R. Pour moi, il y avait aussi un rapport très fort avec ma mère, comme vous le savez.Elle était couturière et m'a appris à doubler les quilts et à coudre et agencer les morceaux.
Bien qu'étant plutôt couturière, elle connaissait toutes les étapes de la fabrication des quilts, car elle avait grandi à une époque où les Africains- Américains en confectionnaient encore pour leurs lits.Les femmes s'asseyaient en cercle et cousaient, tout en discutant et en racontant des histoires. Donc oui, les contes et les quilts sont liés depuis des siècles.



( p.41)

Massimiliano Gioni -- Conversation avec Faith Ringgold

M.G. Y a-t-il d'autres écrivains qui vous intéressaient quand vous avez commencé à vous orienter vers la littérature ? Des modèles que vous admiriez ?

F.R. En fait, on publiait alors plein d'histoires sur les Noirs, des histoires avec lesquelles je n'étais pas d'accord et que je n'aimais pas.Cette représentation des Noirs me dérangeait, et je me suis dit: " Je vais écrire mes propres histoires.Vous avez les vôtres, j'aurai les miennes.Pourquoi pas ?"
J'ai commencé par des livres pour enfants, car j'avais du mal à trouver des histoires à leur lire.C'est ainsi que sont nés mes livres pour enfants.



( p.40)

Massimiliano Gioni -- Conversation avec Faith Ringgold


M.G. Votre art était- il une forme d'enseignement ? L'art est-il un acte pédagogique selon vous ?

F.R.En fait, mon art est ma voix.Il exprime ce que j'ai à dire sur le monde dans lequel je vis, sur ce que he suis et sur ce que je voudrais que les choses soient. Oui, l'art est ma voix.Et je dirai ce que j'ai envie de dire, peu importe ce que l'on me dit de faire.


( p.35)

The French Collection

La série est un hommage rendu à ma mère, Mme Willi Posey, et à la vie qu'elle a consacrée à son travail, à sa famille, à sa culture et à sa communauté. Les récits ne racontent ni sa vie ni la mienne, et bien que beaucoup d'images, dont ces douze tableaux, soient inspirées de photographies et de souvenirs de membres de la famille, d'amis et d'associés, elles n'ont rien d'autobiographique.

L'histoire de Willia Marie Simone est censée être une méditation irréelle sur des choses que nous n'avons jamais faites mais que nous aurions aimé faire.C'est une oeuvre d'imagination. Et l'on peut dire que Willia Marie est mon alter ego.


( p.131)

Préface

" Je voulais montrer qu'il y avait des Noirs quand Picasso, Monet et Matisse faisaient de l'art.Je voulais montrer que l'art africain et les Noirs avaient leur place dans cette histoire. " Faith Ringgold, artiste majeure de la scène africaine- americaine actuelle, rappelle ainsi le propos de sa célèbre série " The French Collection" mais aussi l'enjeu fondamental de son oeuvre.Sa peinture et son engagement ont posé les bases d'un art contemporain africain- américain politique et féministe.
Tissant un dialogue avec la modernité européenne qui est née à Paris au début du XXe siècle, l'école de New-York abstraite et pop, la scène " noire" de la Renaissance de Harlem, Faith Ringgold questionne la force politique et culturelle de l'art et ouvre des voies nouvelles: l'autofiction, l'art textile, la performance...(...)
Le cadre de l'hôtel Salé (**Musée Picasso) crée des résonances toutes particulières : le premier séjour de l'artiste avec ses filles et sa mère, en 1961, à Paris où elles découvrent le musée du Louvre, la création de son tableau majeur de 1967," Die", inspiré en partie de Guernica, son dialogue imaginaire avec Picasso dans ses quilts historiés de la " French Collection" en 1991...

Après les "femmes nouvelles" du XIXe siècle, ces "nouvelles Ève" que nous pourrions aussi définir telle des "vagabondes" ou des "flâneuse", sont, dans le domaine de l'art les premières à êtres reconnus comme leurs collègues hommes, à recevoir des commandes, à posséder un atelier (tel celui d'Orloff, dessiné par Auguste Perret, ou celui de Lempicka, construit par Robert Mallet-Stevens), une galerie ou une maison d'édition, à diriger des écoles d'art, à représenter des corps nus, qu'ils soient masculins ou féminins, et donc à interroger ce que l'on appelle aujourd'hui les "rôles de genre".

******

Avec sa forme étendue à son ombre, le nymphéa ajoute au rythme troublant d’un paysage en fuite et jamais stabilisé. Monet a voulu un « tout sans fin, d’une onde sans horizon et sans rivage » à la surface de son cher étang où vient se refléter le monde à l’envers : nuages, arbres, plantes, pour qu’une fois devant son spectacle, celui qui regarde ne distingue plus, comme lui, ni les objets ni leur place devant ou derrière, dessus ou dessous.

***

*****

Monet semble opposer simplement à l’atmosphère de mort de son époque un projet de méditation d’une légèreté profonde. Dans son jardin archi-cultivé, il veut le regarder au centre de son aquarium fleuri où méditer sur le temps qui passe, dans un monde sans histoire héroïque et sans grand évènement, où les lignes ne sont pas droites mais coulent et tout à coup zigzaguent, s’interrompent en pointillés, molles ou nerveuses, par endroits traversées d’un nœud de fleurs, fameuses roses mousseuses en guirlandes dénouées qui n’ont pas échappé à Proust.

***

Signac l'escrimeur trouve dans l'aquarelle, qui n'autorise ni l'erreur ni la reprise, un domaine d'expression qui convient à son tempérament : rapide et efficace. Une aquarelle est bonne ou elle ne l'est pas, on la garde ou on la jette ; il n'y a pas de repentir possible. Un aquarelliste "enregistre les éléments de beauté, les images de vie qui défilent devant lui" avant de choisir un effet dans son atelier. Ce qui fascine Signac, c'est la liberté d'une technique où la main n'est qu'un "organe de transmission, soumis au cerveau et à l'oeil". Signac, qui a choisi de traduire un univers changeant, celui de l'eau, de la lumière, des reflets et du vent - a trouvé dans l'aquarelle la réponse au défi qu'il s'est lancé. Signac le marin, mais aussi l'asthmatique qui évite les endroits confinés et les fumées des poêles, jouit de l'ivresse du grand air et du contact direct avec la nature, avant de retrouver le calme de son atelier pour se livrer à un travail plus médité.
(page 93)

Joséphine continue à embellir et agrandir le domaine. Elle laisse libre cours à sa passion pour la botanique en acclimatant des plantes exotiques pour lesquelles elle fait bâtir une vaste serre chaude, introduit des animaux rares - kangourous, cygnes noirs…, et développe un élevage de mérinos.

L'origine du nom de Malmaison est vraisemblablement liée aux invasions normandes du IXe siècle, lorsque des bandes vikings dévastent la région à l'occasion d'incursions le long de la Seine depuis leur repaire de Rueil. La "mala domus" ("mauvais maison", en latin), citée pour la première fois en 1244, en garde peut-être le souvenir.

La Malmaison, à l'époque dont je parle, était un lieu de délices où l'on ne voyait arriver que des figures qui exprimaient la satisfaction. Tout le monde était admis chez madame Bonaparte sur un pied de presque égalité qui lui plaisait beaucoup. C'était une véritable lanterne magique dont nous étions à même de voir les personnages défiler sous nos yeux, et ce spectacle était loin d'être sans attraits.

C'est du retour de Marengo et de la période pacifique qui suit ces nouvelles victoires, que date le commencement de l'apogée de la Malmaison, résidence favorite du Consulat.

Parler d'Islam aujourd'hui constitue de fait une contribution à un débat de société en France et dans le monde. Mais le faire en montrant des œuvres d'art qui sont des témoins culturels de treize siècles de civilisation islamique permet d'esquisser un pas de côté, de dépassionner, de contextualiser, de retisser les fils d'une histoire souvent méconnue ou oubliée. Les œuvres parlent parfois plus que les mots, quand elles apportent objectivement et matériellement des éclairages sur ces cultures. Il devient ainsi possible de comprendre que ces arts de l'Islam, tant profanes que religieux, sont une éclatante démonstration de la richesse des dialogues culturels qui se sont instaurés au fil des siècles entre l'Europe, l'Afrique et l'Asie.

Ce "non-fini", ou l'art de ne pas finir, est une technique artistique mise au point par Michel-Ange... Rodin décide de reprendre à son compte ce style et en fait un principe de création.

L'idée n'est pas de prétendre que la biographie de l'artiste est la clé de sa créativité mais de considérer une œuvre d'art comme un objet imaginé, conçu et fabriqué par quelqu'un qui sait que le processus de création lui échappe..

Notre siècle aime le barbare. Longtemps synonyme d'inculte et de grossier, lourd de tout le mépris du "civilisé" pour qui ne partage pas ses modes de vie et d'expression, le terme a désormais perdu toute resonance péjorative. Les arts barbares, les arts sauvages et primitifs ont pour nous la saveur de l'étrange et l'âpre vigueur des formes qu'aucun polissement n'a usées.
Or l'art des steppes que présente cette exposition, n'est-il pas celui des Barbares par excellence, du Barbare en quelque sorte universel, menace permanente aussi bien pour l'empereur de Chine que pour le Roi des Rois ou pour les Césars, et sous la poussée duquel l'Occident romain finira par s'écrouler ?