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Un titre qui a donné son nom à une oeuvre emblématique de Martial Raysse en 1963.

Les Années pop, catalogue qui fait suite à l'exposition de Beaubourg, doit être considéré comme une véritable anthologie de la culture pop des années soixante. Organisé selon une stricte chronologie, il décline de page en page les multiples avatars d'un mouvement qui s'était étendu aux différents systèmes de la création : peinture, photographie, architecture, design, bande dessinée, mode, etc. Bourré de citations, de textes célèbres jamais encore traduits en français, d'analyses lumineuses sur l'état d'esprit d'une époque, cet ouvrage propose également une iconographie d'une rare richesse. Toutes les icônes, tous les chefs-d'oeuvre produits par le pop art sont là, rassemblées dans ces pages. Autant avouer que ce catalogue constitue donc une référence incontournable. Malheureusement, certains de ses défauts en rendent son emploi malaisé. Ainsi, l'absence de pagination, son index et sa bibliographie complexe, le manque de cohérence dans sa présentation, transforment ce brillant essai visuel et théorique en ouvrage destiné de préférence à ceux qui aiment les belles images ou à ceux qui possèdent déjà une très bonne connaissance de l'histoire de ce mouvement. --Damien Sausset 

Premier ouvrage de grande ampleur consacré à l'art de Los Angeles, ce livre retrace l'histoire d'une scène culturelle et artistique exceptionnelle qui reste largement à découvrir. Un florilège d'images d'archives et de reproductions d'?uvres, de textes critiques et d'interviews d'artistes, nous introduit à un art nourri de la complexité de cette " ville-monde ". Une ville qui a vu se développer une scène artistique originale, où s'entremêlaient les mouvements underground, la culture populaire californienne, les expressions communautaires, et l'univers de ces fabriques de rêves que sont Hollywood et Disneyland. Des essais synthétiques remettent en perspective cette période riche et protéiforme, révélant une scène alternative qui fascine aujourd'hui les créateurs du monde entier et bouleverse notre appréhension de l'art contemporain américain.

Enfin un ouvrage sur le Pop art magnifiquement illustré. On ne dira jamais assez combien le Pop art fut un mouvement à la fois international et un mouvement constitué de dizaines de pratiques singulières qui ne cessent de se répondre. Aussi, quelle que soit la qualité de tout texte, il est bon de l'accompagner d'une abondante iconographie démontrant l'extraordinaire variété des oeuvres. De ce point de vue, l'ouvrage des éditions Hazan est déjà une réussite. Autre particularité de ce livre, le texte de Marco Livingstone analyse avec une très grande clarté l'évolution et toute la complexité de ce mouvement. Chaque artiste cité est replacé dans son contexte. Chaque "école" est analysée en fonction des grandes problématiques qui agitent le monde de l'art. Une fois la lecture achevée, le lecteur comprend soudain pourquoi cette critique virulente de la société de consommation de l'époque, avec ses médias omniprésents, avec ce culte pour les objets de consommation, ne cesse aujourd'hui encore de nous fasciner. En ce sens, le Pop art est toujours d'actualité. --Damien Sausset 

Cet ouvrage propose, avec un ensemble d'oeuvres réunies autour du Nouveau Réalisme et du pop art américain, une confrontation entre deux collections, celle du Musée national d'art moderne - Centre de création industrielle - et celle du Musée d'art moderne et d'art contemporain de Nice. Si 1960 est la date de l'acte fondateur du Nouveau Réalisme, c'est dès les années cinquante que se produisent les profondes mutations qui conduiront à la constitution de ce mouvement. Mais c'est aussi par les contacts établis avec des artistes américains tels que Jasper Johns, Robert Rauschenberg ou Larry Rivers que des démarches présentant des préoccupations communes se rencontreront et se nourriront mutuellement jusqu'à l'éclosion - ou plutôt la généralisation - d'un phénomène que l'Amérique s'approprie, le pop art. Ce parcours apparaît en filigrane dans une sélection qui souligne la richesse mais aussi les spécificités de deux collections témoignant chaucune d'une histoire - celle d'une ville, d'un musée, d'une politique d'acquisition - sans nécessairement reconstituer l'histoire, mais s'en approchant, une fois réunies, pour livrer un remarquable témoignage d'une époque. L'ouvrage est illustré de nombreuses photographies issues du fonds de la Documentation générale du Mnam-Cci, pour évoquer des démarches où le geste et l'action occupent une place essentielle.

Le 16 avril 1960, en vue d'une exposition collective programmée en mai à la galerie Apollinaire de Milan, Pierre Restany, qui n'a pas encore 30 ans, publie un court texte fondateur intitulé " Les Nouveaux Réalistes " ? C'est la première fois que le terme apparaît. Il marque le point de départ d'une aventure majeure : le Nouveau Réalisme, qui comme expérience collective, occupe la scène artistique de 1960 à 1963. Voici donc ce manifeste, à l'origine d'un " mouvement " qui compta, parmi ses membres et proches sympathisants, des artistes de premier plan : Yves Klein, bien sûr, mais aussi Arman, Raymond Hains, César, Jean Tinguely, Niki de Saint-Phalle, François Dufrêne, Jacques de La Villeglé, Martial Raysse Daniel Spoerri, Christo... Le texte manifeste de Pierre Rastany, qui appartient à l'histoire de l'art, est accompagné de plusieurs photographies, d'un éclairage de Denys Riout, historien d'art et professeur à Paris 1 Panthéon-Sorbonne.

Réaction contre l'abstraction alors prédominante, en passe de devenir académique, le Nouveau Réalisme, lancé en 1960 par une dizaine de jeunes gens, dont Klein, Tinguely, Hains, Villeglé, César, Arman, etc.) s'est engouffré dans une stratégie subversive d'appropriation de l'univers urbain, technologique et industriel. Reprenant de manière originale les références du Pop Art sur la société de consommation, ils en traduisent les excès par des techniques d'expression quantitative des objets ou rebuts de son environnement quotidien. Ce dictionnaire décrit leur approche analytiquement à travers les grand thèmes et les techniques de leur travail critique (objets, matériaux, accumulation, accrochage, compression, expansion, etc.) le parcours des artistes et la description de leurs principales oeuvres. Des fragments des principaux textes et manifestes du mouvement théorisé par Pierre Restany sont reproduits également dans le dictionnaire à l'entrée qu'ils introduisent.

Dossier de l'Art consacre ce numéro spécial à la vaste rétrospective que le Grand Palais consacre au Nouveau Réalisme. Retraçant dans le détail les dix années au cours desquelles ce groupe d'artistes d'horizons divers a bouleversé le paysage de la création picturale française, ce dossier propose également un entretien avec Cécile Debray, commissaire de l'exposition, ainsi qu'une biographie illustrée des treize artistes phares de l'exposition. SOMMAIRE Le Nouveau Réalisme au Grand Palais Les Nouveaux Réalistes, une avant-garde au pluriel Pierre Restany, l'âme des Nouveaux Réalistes Marcel Duchamp, père des Nouveaux Réalistes ? Paris et New York : un aller simple Nouveau Réalisme et pop art Arman (1928-2005) César (1921-1998) Christo (né en 1935) Gérard Deschamps (né en 1937) François Dufrêne (1930-1982) Raymond Hains (1926-2005) Yves Klein (1928-1962) Martial Raysse (né en 1936) Mimmo Rotella (1918-2006) Niki de Saint-Phalle (1930-2002) Daniel Spoerri (né en 1930) Jean Tinguely (1925-1991) Jacques Mahé de la Villeglé (né en 1926)

"S'il fallait trouver un point commun entre tous les acteurs de ce rassemblement hétéroclite que furent les Nouveaux Réalistes, ce pourrait être le refus d'une certaine façon de faire de l'art, et plus précisément d'une certaine peinture. Même chez les plus « peintres » d'entre eux ? Klein, Raysse, Deschamps ou Rotella ? on retrouve cette même horreur de l'abstraction cultivée de l'École de Paris. Cette attitude les amène tout naturellement à se tourner vers Marcel Duchamp, qui eut le courage de cesser de peindre". Auteur : Vezin Luc (Magazine : L'Objet d'Art hors-série n° 30 Page : 28-29)-------------------------------------------------------------------------------- Le Larousse Ménager, rencontré par hasard dans la base de Babelio et que n'aurait pas renié Marcel Duchamp, si je m'en tiens à la lecture que j'ai faite de ses entretiens avec Pierre Cabanne, vient ici en clin d'oeil pour illustrer une éventuelle paternité avec le mouvement des nouveaux réalistes.

Catalogue d'une exposition ayant eu lieu au Carré d'Art/Musée d'art contemporain de Nîmes, du 7 mai au 29 août 1993. Les cent quatre-vingts oeuvres exposées sont présentées accompagnées d'essais inédits et d'une anthologie de textes critiques sur le thème de l'exposition.

Cet ouvrage retrace l'itinéraire de Martial Raysse, artiste phare de sa génération qui s'est emparé avec insolence et virtuosité des références de la culture populaire comme celle de la culture savante. Il restitue les différentes étapes d'un engagement singulier et visionnaire qui se déploie au travers de peintures, de sculptures, de dessins et de films. Analysant en profondeur chacun de ces médiums, les différents essais et la chronologie largement illustrée montrent la richesse et la variété d'une oeuvre qui convoque à la fois le souvenir des grands maîtres et les visions très personnelles de l'artiste.

Nouveau Réaliste en France, ami proche des artistes du pop art à New York et Los Angeles, réalisateur de films psychédéliques dans les communautés hippies au Maroc et ailleurs... Martial Raysse est l?un des artistes majeurs de la scène contemporaine. Alors que ses portraits de femmes ultracolorés des années 1960 sont devenus des icônes et que ses fresques allégoriques surprennent encore, les Éditions Dilecta publient un ouvrage présentant une sélection de ses dessins, de ses débuts à nos jours. Encore peu connues, ces oeuvres sur papier sont empreintes de la même audace et impertinence que ses peintures, auréolées d?érotisme et de mythologies actualisées. Une centaine de dessins choisis constituent cette publication, qui montre sa pratique du dessin, non comme une seule étape préparatoire à son travail de peinture, mais surtout comme des expériences plastiques, très libres, ce qui lui permet d?explorer des techniques aussi diverses que la mine graphite, le pastel ou encore l?aquarelle.

Un parcours illustré des travaux filmiques du peintre qui met en lumière l'utilisation que Martial Raysse a fait du cinéma et montre combien cet aspect de son travail, qui demeure largement méconnu, marque une évolution claire de sa première période artistique, dans le contexte de la scène française du cinéma expérimental des années 1960-1970, tout en restant fondamentalement en cohérence avec l'ensemble de son ?uvre. Depuis 1966, Martial Raysse a réalisé treize films et vidéos, parodies de la société de consommation, aspirations déçues à de nouveaux rivages, réflexions sur l'art ? sur son art même. Peu diffusées jusqu'à leur numérisation en 2008, ces ?uvres se révèlent aujourd'hui dans toute leur légèreté, mais aussi leur profondeur, comme une voix souterraine, une sorte de constant parallèle à la peinture, un peu plus intime, particulièrement libre. Pour Martial Raysse, « la peinture est un maquillage ; le cinéma c'est créer des illusions, c'est comme peindre les pieds des sculptures. » Avec sa nouvelle caméra miniature, il travaille actuellement à une nouvelle vidéo qui s'intitulera Le Sortilège des carnassiers. Membre fondateur des Nouveaux Réalistes, aux côtés d'Arman, de François Dufrêne, de Raymond Hains, de Daniel Spoerri, de Jean Tinguely, de Jacques de la Villéglé et d'Yves Klein, Martial Raysse, né en 1936 à Golfe-Juan (Alpes-Maritimes), vit et travaille à Issigeac (Dordogne).

La singularité d`Arman réside dans la poursuite logique d`une action, sans à-coups ni ruptures violentes, dont les concepts apparaissent fixés dès l`engagement de cette action, au début des années 60. Son oeuvre en sera la concrétisation. Les mots étant nommés, restait à les enchaîner en phrases. Le concept de base, constamment enrichi par une réflexion critique, voire polémique, sur sa propre finalité, l`accumulation, subira différents avatars : entassement, brisure, cassure, brûlure, découpe, écrasement, collage etc. Lié au geste, il se développera et se multipliera comme tel. Ce geste, qui accumule, détruit, immobilise, est l`oeuvre elle-même. Concept, geste et oeuvre ne font qu`un. L`engagement d`Arman dans le foisonnement accumulatif qui fait de lui l`artiste du nombre, n`exclut pas l`unité dans la multiplicité : l`objet de série, quel que soit le traitement qu`il subit, n`abandonne son identité, son " image ", que pour se retrouver témoin d`une aventure expressive, plastique et picturale, articulée sur les phases successives de son appropriation.

Depuis qu'en 1954 il a abandonné la pratique du chevalet avec ses Cachets et Allures d'objets, Arman n'a cessé d'être un véritable «montreur d'objets» : avec ses Accumulations d'objets courants d'abord, puis avec ses provocantes Poubelles où l'artiste, en se faisant l'archéologue des décharges, dénonce l'envoûtante et périlleuse production de masse. La dramaturgie ainsi tissée autour de ces déchets s'amplifie lorsque son geste devient Colère, qu'il organise en Coupe, décomposant les objets - mais aussi les Dieux ! - ou encore en Combustion, véritable autodafé de pièces nobles, violons et pianos, commodes et fauteuils de l'Ancien Régime. Accumuler, conserver, couper, brûler... Autant de gestes qu'Arman trouve encore à combiner dans ses Inclusions, autant d'?uvres qui donnent la mesure de son talent de coloriste. Ouvrez, dépliez : vous découvrirez, à travers la logique et l'emboîtage de ses stratégies de travail, «un peintre qui fait de la sculpture».

Artiste à la trajectoire fulgurante, explorateur de la couleur pure et de l'immatériel, Yves Klein a profondément marqué l'art contemporain. Des célèbres bleus IKB aux pinceaux vivants, des reliefs-éponges aux peintures de feu, " Yves le Monochrome ", peintre, mais aussi sculpteur, musicien, architecte utopiste, mort à trente-quatre ans, a réalisé en huit années de création débordante la fusion de l'art et de la vie.

Ce livre, préparé en collaboration avec les Archives Yves Klein, raconte en images, pour la première fois, l'histoire de la relation intense entre Yves Klein (1928-1962) et l'Amérique : fascination, influences réciproques, rencontres, réussies ou manquées, échanges, voyages... De très nombreux documents d'archives (photos, correspondances, etc.), souvent inédits, témoignent en quatre grandes étapes (Paris, New York, Los Angeles, Paris) des liens qu'Yves Klein a tissés avec les États-Unis. On croise ainsi au fil des pages de grandes figures de la scène artistique américaine : Leo Castelli, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Marcel Duchamp, Virginia Dwan, Ed Kienholz... Cet album exceptionnel s'ouvre par un entretien avec Rotraut Klein-Moquay, qui évoque son voyage avec Yves Klein aux États-Unis en 1961, suivi d'une chronologie du travail d'Yves Klein. Il comporte également un essai inédit de l'historien d'art américain Robert Pincus-Witten qui a personnellement connu les protagonistes de cette histoire. Cet ouvrage, essentiel du point de vue de l'histoire de l'art du XXe siècle, fournit en outre plusieurs documents d'archives dans leur intégralité, comme le texte du Chelsea Hotel Manifesto.

Yves Klein avait l'intention de publier un recueil de ses textes qui aurait eu pour titre L'Aventure monochrome.Ce choix résume à merveille son parcours, foisonnant comme un roman picaresque. Il souhaite d'abord devenir judoka, séjourne en Angleterre et en Espagne, puis réalise son rêve : étudier le judo au Japon. Lorsqu'il rentre à Paris en 1954, ceinture noire 4e dan, la Fédération française de judo refuse d'homologuer ses grades japonais. Yves Klein se tourne alors vers l'art. Devenu Yves le Monochrome, il adopte le bleu auquel il donne son nom ? l'IKB, International Klein Blue ?, projette l'art dans l'invisible, transforme ses modèles en «pinceaux vivants». De l'immatérialisation du bleu aux Anthropométries, des Reliefs-éponges aux Peintures de feu, des Zones de sensibilité picturale aux Saut dans le vide, Denys Riout nous invite à découvrir l'un des artistes les plus novateurs de son temps, dont les audaces, constamment renouvelées au cours de huit années de création seulement, ne cessent de stupéfier. Et d'enchanter.

L'Art et la manière est l'une des toutes premières collections de monographies destinée à la jeunesse. Chaque ouvrage aborde un artiste ou un mouvement artistique de manière claire et ludique, en allant toujours à l'essentiel, et propose aux jeunes lecteurs, dès l'âge de huit ans, une approche sensible et concrète de l'art. " Le plus grand peintre du monde, Yves Klein, est français. " Telle est la page de publicité qu'Yves Klein voulait s'offrir dans Paris Match! Mais qui est cet homme? Est-il mégalomane, mystique, est-ce un extraterrestre, ou l'un des plus grands artistes du monde? Pour le savoir, partons à la découverte de cet artiste singulier qui donnait des cours de judo, jetait de l'or dans la Seine et voulait repeindre le monde dans une couleur qu'il avait lui-même inventée : le bleu Klein. En quelques années d'une carrière artistique fulgurante, de 1954 à 1962, Yves Klein a révolutionné l'art contemporain : tableaux monochromes, sculptures éponges, peintures réalisées au lance-flamme, saut dans le vide, architecture de l'air, et bien d'autres oeuvres tout aussi mystérieuses...

Yves Klein le philosophe est la biographie intellectuelle d?un des artistes les plus influents de la seconde moitié du XXe siècle. Par son approche innovante de la peinture, de la sculpture, du film et de la photographie, il a influencé le minimalisme, l?art conceptuel et l?art performance de la fin des années 1960 jusqu?à ce jour. Klaus Ottmann réunit ici des éléments biographiques, des textes d?écrivains et artistes dont Klein s?est nourri à des degrés divers, un glossaire rassemblant ses termes-clés et les définitions qu?il en donne dans ses textes ? dont certains manuscrits jusqu?alors inédits ?, une sélection de textes critiques contemporains du peintre et une analyse en profondeur de ses conceptions philosophiques. Yves Klein était un agitateur d?idées, qui utilisait son charisme pour propager le changement social par l?art. Quand il théorisait sa pratique artistique, ses spéculations s?inscrivaient dans un environnement général fait d?idées philosophiques, scientifiques et politiques. Par ses écrits et ses prises de parole publiques, comme par son art, Klein souhaitait promouvoir sa vision d?un futur fait de liberté artistique et sociale absolue, et sa croyance dans « le grand Art absolu et total ».

Jacques Villeglé prélève sur les murs parisiens, depuis la fin des années 1940, les affiches lacérées par des mains anonymes, et les expose après les avoir simplement marouflées sur toile. Revendiquant la position du flâneur, il laisse émerger du chaos urbain les beautés cachées dans les épaisseurs de papier déchiré, à travers un corpus foisonnant et d'une étonnante richesse formelle, depuis l'éclatement typographique et les grandes compositions abstraites colorées des débuts jusqu'aux récentes juxtapositions rythmiques issues d'affiches de concerts. Son Alphabet socio-politique, réalisé à partir d'un vocabulaire de lettres détournées telles qu'on peut les trouver dans les graffitis, procède de la même entreprise d'appropriation. L'?uvre de Villeglé est un formidable sismographe de nos "réalités collectives" telles qu'elles sont distillées par l'espace urbain dont l'histoire nous est restituée à travers celle, singulière, de ses murs. Elle révèle combien notre regard est conditionné par cet environnement visuel quotidien, et réactive notre mémoire de façon critique, mais aussi ludique.

" L'exposition que le Centre Pompidou consacre à Raymond Hains [1926-2005] consiste en une large rétrospective (environ 150pièces) où les oeuvres nouvelles, produites spécialement pour l'occasion, côtoient un choix d'oeuvres plus anciennes, dont beaucoup n'ont pas été visibles depuis leur création. Cet hommage que rend le musée à l'un des artistes les plus importants de la deuxième moitié du XXème siècle entend également montrer par des moyens muséographiques conçus avec l'artiste son processus de pensée à l'oeuvre. "  Publié à l'occasion de l'exposition présentée par le Centre Georges Pompidou, Raymond Hains, La Tentative, du 27 juin au 3 septembre 2001. 

Depuis que l'art contemporain est devenu conceptuel, je rêve que chacun soit contaminé par la maladie du jeu de mots et que celui-ci devienne une activité générale. Alors, même les chefs d'Etats abandonneront."  Raymond Hains  Publié à l'occasion de l'exposition présentée par le Musée d'art moderne Fondation Ludwig du 28 septembre au 29 octobre 1995. -Raymond Hains. Le Diogène du Nouveau Réalisme par Lorand HEYGI  -Raymond Hains, un visiteur de passage par Roberto OHRT  -L'incessant par Michel NURIDSANY  -La Rhétorique vécue par Nicolas BOURRIAUD  -Raymond Hains par Robert FLECK  Avec 37 reproductions dont 27 en couleurs (1949-1994).  Egalement 9 portraits de l'artiste dont 7 de Robert FLECK, en noir et blanc, et un, non crédité, en couleurs.  Trois photographies de Raymond HAINS. 

De Raymond Hains, n'importe quel dictionnaire contemporain vous apprendra (et cela ne vous avancera guère) qu'il compte au nombre desartistes français les plus singuliers du siècle tout juste passé et que la formidable longévité de son talent lui permet de prétendre inscrire son nom aux annales nouvelles du siècle qui vient juste de commencer. Le même dictionnaire (ou un autre) vous dira comment, né à Saint-Brieuc en 1926, Hains développe depuis maintenant près de soixante ans une ?uvre unique qui se décline en expositions étranges aux quatre coins du pays et aux deux bouts de la planète. Et si la mémoire paresseuse des encyclopédies retient surtout de lui qu'il fut associé aux grands jours du Nouveau Réalisme, qu'on lui doit de célèbres affiches arrachées renouvelant en leur temps (les années cinquante et soixante) ladéjà vieille invention du ready-made, l'essentiel, comme toujours, est probablement ailleurs : dans un long travail déguisé sous les apparences légèresd'un jeu et portant sur la texture analogique du monde, travail commencé du côté de la photographie, poursuivi dans la compagnie des peintres et des plasticiens, se développant enfinselon la singularité insolite d'une démarche tellement libre et parfois incongrue qu'elle conduit à reconsidérer - en toute ironie mais avec le plus grand sérieux - le statut et la signification de l'objet d'art au temps de sa reproduction, au temps de sadissolution. (Philippe Forest)

"Je suis un pinceau vivant - et survivant - du Suaire des nouveaux réalistes !"  ."Je ne suis pas un situationniste, je brosse un tableau de la situation."  Raymond Hains  "Etapes majeures du parcours de Hains construites sur des glissements visuels ou sémantiques.  Cet ouvrage réunit de très nombreux documents de différentes factures: fac-similés de textes ou d'interventions graphiques de Raymond Hains, photographies ou billets de trains, etc..., issus des colossales archives de l'artiste."  Publié à l'occasion de l'exposition Raymond Hains, La Tentative présentée par le Centre Georges Pompidou du 27 juin au 3 septembre 2001.  Avec des textes de Matthieu ORLEAN, Pierre LEGUILLON, Laure LEPRINCE  Riche iconographie: 500 illustrations dont 400 en couleurs  A noter: le fac-similé du fameux article de Pierre RESTANY, Les Nouveaux Réalistes (1960)  .Porte-faits: expositions personnelles et collectives, évènements, prix... (1936-2001)  .Bibliographie, filmographie 

Né en 1937 à Lyon, Gérard Deschamps rejoint en 1961 le mouvement du Nouveau Réalisme. Les ?uvres présentées pour l´exposition Homo Accessoirus en avril 1998 à la Fondation Cartier pour l´art contemporain en sont le prolongement : mélange de textiles hauts en couleur, suspendus ou cousus en patchwork, comme autant d´images d´une coloration nouvelle du monde.Présentant 30 créations réalisées entre 1986 et 1990, inspirées de la mode surf et d´objets en plastique aux teintes fluorescentes, le catalogue de l´exposition Homo Accessoirus explore la démarche d´appropriation du réel propre au Nouveau Réalisme et à Gérard Deschamps.

« Tinguely, selon Conil Lacoste, n?a inventé ni la réhabilitation du rebut, ni la sculpture en mouvement [...] Son originalité est d?avoir rapproché ces deux courants : d?une part, le réalisme du déchet, du surplus, de l?objet trouvé, d?autre part, le cinétisme. » Conil Lacoste dégage les mobiles profonds de l??uvre de Tinguely. Il met en lumière ce qu?il y a de subversion active dans ses machines inutiles et de poésie dans ses machines à rêver. Bien sûr sa démarche s?inscrit dans la lignée de Schwitters, Ernst, Arp, Calder et surtout Duchamp mais il n?y a pas d?art ex nihilo. Le matériau de base des pièces est la ferraille, à laquelle viennent s?ajouter ossements, plumes, plantes et toutes sortes d?objets hétéroclites. Les titres des ?uvres sont tout un programme, Klamauk qui veut dire « boucan », « tintamarre », Auto-mobile, ?uvre que les visiteurs ne pouvaient regarder parce qu?elle s?enfuyait à leur approche, Requiem pour une feuille morte... ou encore des noms de philosophes : Adorno, Schopenhauer, Nietzsche, Kierkegaard. Conil Lacoste évoque aussi la collaboration fréquente de Tinguely avec ses amis, tels que Spoerri, Klein, Niki de Saint-Phalle ou Eva Aeppli, et livre les principales clés d?une des ?uvres les plus géniales et provocantes du XXe siècle.

César, trente ans de compression par Otto HAHN (10 pages) Belle suite de 33 compressions - cuivre, voitures, casiers à bouteilles, cartons, cageots, couvertures, canettes... - en couleurs et à pleine page, ainsi qu'un Hommage à Morandi (3 natures mortes aux brocs et cafetières) et 6 Natures mortes... (brocs, tasses, cafetières...). Imposant portrait de l'artiste en noir et blanc par Ewa RUDLING. Publié à l'occasion de l'exposition présentée par la Galerie Beaubourg (2 vues de l'exposition)

Fra il 1971 e il 1975, durante il suo soggiorno in Francia, Mimmo Rotella (1918-2006) realizza con una sorprendente tecnica da lui inventata, l'effaçage, centinaia di opere che si ispirano alle immagini pubblicate nelle riviste francesi. Si tratta di una vera rivoluzione, anche per coloro che pensavano di conoscere perfettamente Rotella. Una parte considerevole della sua produzione, parzialmente inedita, viene presentata in modo organico in questo volume che riproduce 185 effaçages insieme a testi critici di Gianluigi Colin e Alberto Fiz. Edizione in tre lingue: francese, inglese, italiano.

Au moment où les Nouveaux réalistes accumulent des objets du quotidien pour en faire des ?uvres d'art, Daniel Spoerri choisit l'eau comme objet d'accumulation. La lecture du Guide de la Bretagne mystérieuse l'incite à visiter l'une des fontaines répertoriées, puis à s'intéresser plus précisément à la richesse des rituels et légendes que celles-ci recèlent dans l'imagination bretonne. C'est ainsi que commence une étrange aventure. Daniel Spoerri visite 117 « fontaines sacrées » réparties dans toute la Bretagne, en recueille les eaux dans des flacons et les rassemble dans sa Pharmacie bretonne (véritable armoire de trois casiers articulés par des gonds comprenant chacun 39 flacons). Ainsi il réalise une ?uvre d'art dont l'aspect change au fil du temps : l'évolution chimique des 117 eaux collectées leur donne des colorations différentes et pour certaines des dépôts ou des particules en suspension. En 1977 ? avec Marie-Louise Plessen ? il fait paraître, à l'enseigne de Paul Gredinger, un ouvrage largement illustré dans lequel il étudie « les divers types de sources en relation avec les légendes et le rituel qui leur sont associés, et présentant un parallèle avec les saints patrons locaux des missionnaires chrétiens ». Chaque fontaine est donc très précisément décrite : emplacement, appellation, dimension religieuse et sacrée ; et fait l'objet d'une ou plusieurs ilustration(s). Ce volume, traduit de l'allemand, est ici augmenté d'une introduction de l'artiste dans laquelle il explique sa démarche et l'histoire qui entoure cette publication. Plus qu'un guide sur les rituels de guérisons et les sources bretonnes, ce livre est un voyage dans l'imaginaire celtique. Cet ouvrage accompagne l'exposition Histoires d'objets et la Pharmacie bretonne qui se tient au Musée de Morlaix du 2 juillet au 24 octobre 2004.

Menu de présentation des dix dîners à thèmes différents conçus par Daniel Spoerri au Jeu de Paume, du 19 avril au 29 avril 2002.  Au menu : Art digestible, Le dîner des homonymes, Le dîner des nouveaux réalistes - l'ultima cena, "Oh cet écho !" le dîner palindrome hommage à André Thomkins, Le dîner cannibale de Claude et François-Xavier Lalanne, Le dîner surprise, Menu hommage à Raymond Hains, "Les oeufs sont faits", Le dîner du haut-goût, Vernissage des menus-pièges.

Faire une oeuvre par nécessité est une escroquerie par rapport à l'art. Il me semble que pour une large part l'urgence à travailler réside dans le fait que l'on agit librement. Faire quelque chose dont la nécessité ne puisse être déterminée qu'après coup et que ce jugement soit sujet à modification à tout moment. Il est extrêmement important que l'art soit justifiable. Robert Rauschenberg.

Robert Rauschenberg est l'un des plus célèbres artistes américains du XXe siècle, connu en particulier pour ses Combine Paintings, fascinants hybrides de peintures et d'installations sculpturales proliférantes à base d'objets personnels ou de récupération. Il fut le premier Américain à obtenir le Grand Prix de la Biennale de Venise en 1964, qui marqua le début de la suprématie des États-Unis dans l'art contemporain. Les photographies réunies dans cet ouvrage, prises par l'artiste entre 1949 et 1962, nous font découvrir un pan jusqu'ici largement méconnu de sa pratique, que Nicholas Cullinan décrit, dans son passionnant essai introductif, comme la source de toute son ?uvre, et la condition indispensable à son existence même. De ses premiers photogrammes et cyanotypes réalisés durant ses années d'études aux portraits de ses amis artistes, Cy Twombly, Jasper Johns, John Cage et Merce Cunningham, en passant par ses impressions de voyage en Italie et au Maroc, ce panorama de la pratique photographique de Rauschenberg, révélée dans toute sa richesse et sa diversité, ouvre de nouvelles perspectives sur la foisonnante créativité d'un des artistes majeurs de la seconde moitié du XXe siècle.

La découverte de Jasper Johns est un des événements qui contribua à installer New York comme centre mondial de l'art moderne de cette deuxième moitié du XXe siècle. L'oeuvre et le parcours de l'artiste sont racontés dans ce livre par Léo Castelli, découvreur, agent et ami du peintre.

À l´époque où l´expressionnisme abstrait, mode de peinture alors dominant, mettait l´accent sur l´expression dramatique à travers des coups de pinceaux audacieux et de larges compositions abstraites, les peintures du drapeau américain, des cibles, des nombres ou de l´alphabet réalisées par Jasper Johns apparurent comme une rupture radicale. Froids, silencieux et impassibles, ses sujets, soigneusement établis, étaient en effet bien loin des explosions émotionnelles alors en vogue. « Tout a commencé... avec mon tableau d´un drapeau américain. Mon choix de ce sujet fut stratégique, car je n´avais précisément pas à l´imaginer. C´est alors que je me suis focalisé sur ce genre de choses, comme les cibles par exemple, des choses familières. Cela m´a permis de concentrer ma réflexion sur d´autres niveaux. Par exemple, j´ai toujours pensé une peinture comme étant une surface, la peindre en une seule couleur rendait cela évident. Puis, j´ai décidé que regarder une peinture ne devait pas nécessiter une concentration spéciale comme, par exemple, assister à une messe. On devrait pouvoir regarder une peinture comme on regarde un radiateur. » Contrairement à la plupart des déclarations des artistes des années 1950, on ne retrouvait pas dans le discours de Johns les doutes et l´angoisse habituels, et sa sélection de thèmes avait l´air délibéré, sans désirs, ni liens affectifs. Cependant, aux yeux des artistes plus jeunes, après les excès de l´expressionnisme abstrait, son art était plus honnête, plus lucide que froid et dénué de sentiments. En choisissant des sujets facilement reconnaissables, Johns semblait rejeter la peinture abstraite. Cependant, les sujets eux-mêmes possédaient une caractéristique vitale de l´abstraction classique, leur planéité, les rendant indiscernables de la surface de la toile. Ce livre souligne comment le travail de Jasper Johns rendit obsolète la polarité entre l´abstraction et la représentation qui domina les débats de l´art moderne pendant des dizaines d´années et comment son Oeuvre ouvrit de nouvelles perspectives sur les relations de l´art et du monde. Cette analyse tente aussi de comprendre pourquoi, depuis sa première exposition à la Galerie Léo Castelli, à vingt-sept ans, il reste un des artistes majeurs de la scène artistique contemporaine.

Consacrer un ouvrage à Andy Warhol n'est pas chose aisée. L'homme s'est en effet toujours caché derrière une attitude de dandy décadent et impassible. Les anecdotes, les histoires folles qui circulent à son sujet (ainsi on ne sait pas quelle est au juste sa date de naissance) transforment tout essai sur cet artiste en exercice périlleux. Pourtant, Klaus Honnef réussit le pari de nous montrer les multiples contradictions de cet artiste dans un texte que l'on lit avec grand plaisir. Quant à la production de Warhol ; ses peintures, ses films, son antre (la Factory) transformée en résidence pour artiste, sa passion pour les célébrités, son besoin de s'exprimer dans tous les domaines, elle est abordée ici avec un talent rare. Il est en effet peu courant de rencontrer un texte qui démontre combien cette production était avant tout un acte politique, un acte critique profondément engagé dans les problèmes d'une société américaine fascinée par sa propre réussite et incapable de voir le versant sombre de ses échecs. --Damien Sausset 

Quand Andrew Warhola (1928-1987) arrive à New York en 1949, il a tout juste vingt et un ans, et s'est déjà fixé un destin : devenir célèbre. Le jeune homme d'origine ruthène va alors fabriquer Andy Warhol, ce personnage médiatique, adulé, controversé, qui veut tout et fait tout. Il est peintre, sculpteur, photographe. Il est acteur, homme de télévision, mannequin. Il est producteur d'un groupe de rock, directeur de magazine. Il est dramaturge, cinéaste, romancier. Il crée un univers, la Factory, où circulent librement drogue, sexe, artistes, voyous. Il dit vouloir être une machine. Il annonce que bientôt tout le monde connaîtra un quart d'heure de célébrité internationale. Il assure n'aimer que les choses ordinaires et refuser l'originalité. C'est un vrai rebelle, génial, inventif, underground et post-moderne. Derrière sa perruque platine et sa désinvolture affichée se cache un créateur exigeant, fragile, dont la vie et l'oeuvre tendent à notre monde moderne un miroir désenchanté et plein d'humour. Plus qu'un modèle, c'est un mythe : un nouveau Prométhée.

Comment transformer des produits de grande consommation ou de l'industrie des loisirs en oeuvres d'art Au cours des années 1950-1960, Roy Lichtenstein (1923-1997) est devenu l'un des principaux représentants du Pop Art, mouvement qui puisait son inspiration dans les produits de grande consommation ou de l'industrie des loisirs. Cette consécration d'objets banals du quotidien représente également une critique de la réception traditionnelle et élitiste des oeuvres d'art. Lichtenstein fait partie des très rares artistes à s'être encore interrogés sur la façon dont une image devient une oeuvre d'art. Tout à fait fidèle à l'esprit des classiques modernes, il a soutenu que ce n'est en rien la noblesse du sujet du tableau qui détermine sa qualité artistique, mais la manière dont l'artiste le traite. Mais cette question a néanmoins dû paraître trop vaste à Lichtenstein pour qu'il l'approfondisse sérieusement. La technique de la grille que Lichtenstein développe dans les années 1960, ainsi que ses références à la production massive d'art graphique, a permis au peintre d'exprimer son propre scepticisme artistique. Dans les années 1960 et 1970, Lichtenstein a élargi son éventail formel de techniques pour créer une distance ironique à travers un processus particulier d'abstraction et, plus particulièrement, à travers son vaste jeu de citations artistiques.

Publié à l'occasion de l'exposition Roy Lichtenstein, Paris, Centre national d'art et de culture Georges Pompidou, du 3 juillet au 4 novembre 2013. Rétrospective de l'?uvre de cette figure emblématique du mouvement pop américain et de l'art de la seconde moitié du XXe siècle, à travers une sélection de plus de 130 ?uvres et de sujets inspirés de l'imagerie populaire, de la publicité et des bandes dessinées.

L ÉCOLE DE NICE: PAROLES D ARTISTES Interviews de Franck Leclerc, introduction Françoise Armengaud, préface Rosemary O Neill L'École de Nice ? Oui, mais racontée par les artistes. Ce livre n est pas celui d un critique, il n est donc pas question ici de faire parler les oeuvres. Voici plutôt un parti pris pour rendre plus concrète et très vivante cette aventure née sous le ciel azuréen. Fin des années 50: une discussion entre copains. Klein et Arman ont vingt ans, le monde leur appartient. Ils vont signer le vide, puis le plein. En nourrissant leur création de pigments industriels et de rebuts de la société de consommation. Dans leur sillage émergera bientôt toute une génération de plasticiens. Ancrés dans leur époque, en prise directe avec le quotidien. Impossible, aujourd hui, de les convoquer tous. Certains ont pris le large, tel Martial Raysse. D autres se sont greffés en si grand nombre qu il fallait bien une sélection. Au prix de l arbitraire et de son corollaire : l injustice. Pour précéder des témoignages issus d entretiens exclusifs auprès de quatorze personnes-clés (Arman, Alocco, Ben, Cesar, Chacallis, Charvolen, Dolla, Farhi, Ferrero, Gilli, Klein, Matarasso, Sosno, Venet), deux regards venus de l extérieur - New York et Paris - aideront à replacer l École de Nice et ses acteurs dans leur contexte.

Rejetant l'utopie des avant-gardes, l'art contemporain veut se rapprocher du public, faire participer le spectateur, se confondre avec la vie quotidienne. Néanmoins, pour Catherine Millet, critique d'art, en voulant trop investir le réel, certains artistes contemporains oublient que l'art est de l'ordre de la fiction, du symbolique, et relève d'une autre réalité.

Des objets incongrus, des gestes excentriques, et tout aussi bien des photographies, des vidéos et des peintures de facture traditionnelle, voilà ce qui constitue l'art contemporain. Quelquefois, ces oeuvres étonnent ou choquent le public. Elles suscitent en même temps sa curiosité :jamais on ne s'est autant pressé dans les musées d'art contemporain, dans les biennales et les foires d'art. Au point de s'y perdre un peu. Aussi, pour qui s'aventure dans le monde de l'art, ce livre est un vade-mecum, il fournit des repères. Et pour qui s'interroge, l'auteur rend compte de ses observations critiques et suggère des sujets de réflexion.  Depuis quand l'art " moderne " est-il devenu " contemporain " ? Comment expliquer qu'il s'engage dans des voies si contradictoires ? Pourquoi les artistes ont-ils voulu transformer le rapport des spectateurs avec les oeuvres ? Et quand les frontières avec la mode, l'architecture, le film documentaire, ou même des objets rituels, deviennent très floues, peut-on encore faire entrer cet art dans une définition ?  Ce livre révèle en quoi l'art contemporain est avant tout un espace ouvert; une aire de liberté pour penser et agir différemment quand les idéologies et les systèmes philosophiques qui nous guident sont en crise.