Le théâtre et l'esprit du temps

« Ni myope ni presbyte ! » Georges Banu nous propose des réflexions et des pistes de réflexion fort intéressantes, que résume si bien la phrase de Guy Freixe directeur de la collection « à la croisée des arts » et préfacier de cet ouvrage : « Le “même” et le “différent” pour retrouver ce qui perdure et se réjouir de ce qui se transforme ».

Nous avons ici, tout d'abord, (et je tiens à le souligner) un très bel objet livresque : un ouvrage édité avec le plus grand soin qui mentionne à la fin y compris les noms des correcteurs, qui comporte plusieurs photos de spectacles sur papier glacé et une belle couverture évocatrice précisément de cette dialectique de la permanence de la transformation, symbole de l'esprit du temps.

Je tiens aussi à préciser que dans les 275 pages rédigées dans un style à la fois élégant, érudit et néanmoins clair, je n'ai repéré qu'une seule coquille (minuscule imperfection qui rend le corpus de textes si attachant !) à la page 7 : le premier e de Georges manque.

Remarquable est également la structure de ses trente chapitres dont une moitié totalement inédite divisée en quatre parties comportant respectivement les titres « préliminaires théoriques », « défis esthétiques » « mutations pratiques » et « interrogations finales ».

Parmi les problématiques que l'auteur et critique de théâtre maîtrise à la perfection, j'ai beaucoup apprécié le questionnement sur l'exil et le metteur en scène : « Un écrivain et un musicien ne se confrontent pas aux mêmes écueils à l'étranger et ne sont pas appelés à surmonter des épreuves similaires. Il en va de même pour un sculpteur ou un plasticien guère dépendant des mots et de leur syntaxe… » (p. 213). Si « l'exil implique une douleur, un arrachement et un face-à-face sans concessions avec le contexte d'accueil érigé en destin » Georges Banu opère naturellement une « distinction entre l'exil comme condition, imposée ou décidée, mais toujours à long terme, et le fait de travailler à l'étranger pour honorer des contrats ». Parmi ce qu'il appelle « des héros singuliers » il évoque l'exemple du Roumain Andrei Șerban et d'autres de ses compatriotes avec la même lucidité : « La mouvance romaine fut reconnue, mais elle resta diffuse ! » ou « Les artistes roumains à l'étranger ne sont pas parvenus à imposer une école, à affirmer un style ou à dégager une identité » (p. 226).

La photo de l'auteur prise en mai 2022 devant « La Colonne sans fin » de Constantin Brancusi, à Târgi Jiu, en Roumanie, prend tout son sens grâce au texte « Le théâtre et ses mouvements rythmiques » : « La figure qui cristallise avec génie cette succession des losanges que j'assimile au processus alternatif propre à l'art occidental, c'est “La Colonne sans fin” de Brancusi qui la représente. Alors que je la regardais un jour, couché à son pied, elle s'est imposée comme graphe visuel qui relie le même et le différent. » (p. 28). La succession infinie des rhombes comme image de la répétition, Georges Banu nous « convie » à « l'intégrer » « dans l'art aussi bien que dans la vie ».

La même proximité entre l'auteur et son lecteur je l'ai ressentie à plusieurs reprises comme dans cet autre passage sur « Le Zeitgeist et l'âge » (p. 20) : « percevoir l'esprit du temps implique une certaine ouverture à ce qui advient, et cela se manifeste comme un symptôme de jeunesse » et de ce que j'ai éprouvé à la lecture des trois titres lus de cet auteur, son âme était restée éternellement jeune, malgré le poids des années, et de l'expérience théâtrale.

Beaucoup d'autres passages se lisent « à travers les lames » et leur pouvoir poétique, comme cette confession sur la « sécurité identitaire » que procure la langue, dans « Le mur lézardé des langues » : « à travers l'errance, la langue est la seule patrie intérieure ! Exilé de Roumanie, à l'heure du retour, vingt ans plus tard, à une kiosque de journaux, en parlant avec la marchande, j'ai éprouvé l'appartenance à l'identité première, identité confirmée par le maniement de la langue », ou bien cet autre aveu « le critique, de même que l'écrivain ou le metteur en scène avaient droit à la biographie et qu'il lui revenait, par honnêteté, d'en témoigner. le double mouvement d'un sujet qui change et d'un objet qui se modifie, d'un je inscrit dans le temps et d'une scène soumise aux métamorphoses entretient la vie du discours critique » (p. 251).

Une magnifique invitation à aimer le théâtre, que je conseille les yeux fermés.

Georges Banut né en Roumanie, et décédé à l'âge de 80 ans, il y a quelques mois est un des meilleurs connaisseurs et commentateurs du théâtre contemporain, par les différentes responsabilités qu'il a assurées dans le monde du théâtre. Ni acteur, ni metteur en scène, mais « spectateur éclairé »,lié à une culture et une mémoire exceptionnelles, il tire cette riche expérience et une réflexion originale et pertinente du fait de ses contacts avec tous les grands maitres du théâtre contemporain, en Europe. Il était professeur à la Sorbonne, Paris III (études théâtrales) et a publié une cinquantaine d'ouvrages, nourris de cette expérience. Parmi ceux-là, il faut rappeler des essais très remarqués sur Shakespeare, Tchekhov, Brecht, Yannis Kokkos, le Nô japonais (l'acteur qui ne revient pas)… J'avais particulièrement apprécié son livre sur l'historique des différentes mises en scène de « La Cerisaie »,qui est une belle illustration de l'histoire de la représentation théâtrale, telle qu'elle est proposée au public et inspirée par une époque. Il y a un peu plus d'un an est paru « Les récits d'Horacio : portraits et aveux des maitres du théâtre contemporain », comme des mémoires de toutes ses rencontres privilégiées. L'ouvrage récent, qui est posthume s'inscrit dans la même veine, reprend quelques articles déjà publiés, mais très largement complétés par des apports originaux, pour donner une vue en surplomb des grandes lignes de continuité dans la mise en scène du théâtre contemporain, mais en faisant aussi apparaitre les points de rupture imposées par le contexte social, politique et par les avancées techniques. Ainsi, en une trentaine de chapitres, on verra présentés et débattus, avec fascination souvent, avec critique parfois les grands thèmes de cette modernité, par exemple :l'importance du collectif dans la création, le rôle incertain de la dramaturgie, le mélange des langues sur la scène, le corps travesti ou malade, l'impact des guerres, la mise en théâtre des romans, l'intervention du cinéma, de la musique au théâtre…Toute cette réflexion est argumentée par l'évocation des grands maitres :plus anciens comme Jerzy Grotowski, Michael Gruber, Tadeusz Kantor, Peter Stein, Patrice Chéreau, Giorgio Strehler, ou plus contemporains :Ariane Mnouchkine, Ivo van Hove, Thomas Ostermeier, Stéphane Braunschweig, et bien sûr le grand Peter Brook dont il fut le familier.
Le dernier chapitre est intitulé : Mettre un terme et consacré à la décision de la mise en retrait des créateurs (la retraite ?), avec les derniers mots :
« Et moi, qui ne suis pas artiste, quand vais-je mettre un terme ? » …
Merci à l'auteur d'avoir pris le temps de ce livre testamentaire, qui devrait intéresser le monde du théâtre et le grand public.

Dans le cadre de masse critique, j'ai souhaité recevoir ce livre en tant qu'élève d'un cours de théâtre dans l'académie de ma région.
Je remercie Babélio ainsi que "Deuxième époque" de m'avoir choisie.
J'avoue que je ne connaissais pas l'auteur. Il est décrit, sur internet, comme un expert des arts de la scène. Un monsieur d'une grande érudition doublée d'une grande bienveillance.
Et cela transparait au travers de son essai.
En effet, il est indéniable que ce monsieur sait de quoi il parle. Il analyse l'évolution du théâtre sous toutes ses facettes : le théâtre du dedans, celui du dehors, le théâtre du grand, celui du petit, les pratiques théâtrales.... Tout y passe.
Pour une néophyte comme moi, la compréhension de l'analyse est à ce point précise qu'elle n'est pas facilement accessible. Même si, évidement, je vois la différence entre le théâtre classique et le théâtre contemporain et, qu'en effet, ce que Georges Banu décrit comme "l'esprit du temps" est tout à fait perceptible.
En tout cas, même si cet essai est réservé à un public "formé", il n'en reste pas moins qu'il est tout à fait intéressant pour des profanes.